Un extraño trazado

Cartel de la 20 FERIA DEL LIBRO ANTIGUO Y DE OCASIÓN - GALICIA

2011-06-16T20:53:00.007+02:00

Aquí os dejo la evolución creativa del cartel de la 20 Feria del Libro Antiguo y de Ocasión de Galicia.

1.- aunque la idea original era la de unos buzos en el fondo del mar, todo cambió gracias a la música que flotaba en el aire mientras dibujaba: el Space Oddity de David Bowie. Así, los buzos se convirtieron en astronautas perdidos en el espacio. La idea, garabateada en varios folios cobró forma en una lámina poco más grande que un A-3:

Las referencias a Bowie y a Tintín son evidentes

2.- Después de escaneada la imagen en una imprenta, tocó dar color con ese gran amigo del hombre llamado Photoshop. Lo que tenía claro desde un primer momento es que el espacio no debería colorearlo de negro, ya que perdería la gracia mareante de los tonos azulados que tenía en mente. Los tonos fríos sirvieron así pues para realzar el colorido de los libros.

Una vez dado el color general del dibujo, añadí unas salpicaduras de tinta a modo de estrellas (realizadas en otra lámina) y rellené el planeta tierra:

3.- El texto fue lo que menos quebraderos de cabeza me dio. EL sitio lo tenía claro desde que planifiqué el dibujo, y sabiendo la tonalidad de la ilustración, también tenía claro que los colores que podrían quedar bien serían el rojo y el blanco. Elegí una tipografía semejante a la del año pasado para no romper mucho esa continuidad y así quedó finalmente el cartel que está llenando las calles gallegas este verano:

diario ABC- Artes y Letras-FRAGMENTOS DE LA NATURALEZA SALVAJE (28-05-2011)

2011-06-16T20:31:00.005+02:00

El artículo en la web del ABC

Desde el pasado 5 de mayo y hasta el próximo 19 de junio, se exhibe en la Sala de Exposiciones del Centro Social Novacaixagalicia de Pontevedra una selección de las mejores imágenes del concurso ‘Wildlife Photographer of the year 2011’

Nuestro concepto de realidad está cambiando. El hombre está cambiando. Ahora existe una generación de jóvenes absolutamente nueva, que de un modo básico y radical se están agrupando, y cada vez que se agrupan se hacen más fuertes. Caminan de otro modo, se sobreponen al sentimiento de desánimo sedimentando el légamo social. Sirva esto de imagen metafórica, alegórica, a lo que la exposición ‘Fotógrafos da Natureza. Wildlife Photographer of the year 2011’ ha retratado con sus instantáneas: el poder del orden natural. El hombre ha llegado a ser tan racional, tan utilitario, que le basta con un mínimo porcentaje sensorial para la mera supervivencia. “Estamos cerrados a nuestro propio mundo”, como diría Aldous Huxley. El hombre primitivo experimentó esa comunión con la naturaleza; la rica y absorbente oleada de los sentidos. Algo que los niños experimentan hasta que el aprendizaje, la sociedad, los pervierte. Algo que esta exposición trata de mostrar a los visitantes que se alleguen a la sala de exposiciones. Una potencial experiencia a través de la percepción ordinaria.

Expresar cómo es esta exposición con cierto número de palabras, definirla, es limitarla. La experiencia que se tiene al ver estas fotografías recuerda a la de uno cuando, siendo niño, ve por primera vez cómo alguien pone un lápiz sobre un papel y comienza a dibujar, y esa línea creciente se convierte en algo más que un trazo: es el milagro de la creación. Eso es, pues, la entraña de esta exhibición: las semillas de la naturaleza. Una selección de imágenes presentadas al concurso anual ‘Wildlife Photographer of the Year’, organizado por la BBC y el Museo de Historia de Londres. Colores intensos, figuras de gran belleza, color y textura pueblan las fotos que un jurado internacional (integrado por profesionales de la fotografía y otros medios audiovisuales) nos acerca a esta sala, en la que es el trabajo de más de noventa fotógrafos profesionales y aficionados (procedentes de alrededor de 80 países) el que nos atrapa con su belleza. El certamen ha tenido este año un total de 31.152 imágenes, y ya está considerado como el más prestigioso evento mundial de fotografía sobre la naturaleza.

Es el Medio Ambiente hecho postales de lujo. Paradisíacas y azules bahías, playas impolutas y blancas, selvas salvajes de un verde oscuro, exuberantes campiñas, frondas reptantes, bosques góticos, románticos, son el escenario por el que se mueven seres mitificados, escondidos a simple vista por los turistas. Si a nosotros se nos esconden estos animales y sólo escuchamos sus rumores, o si solo vemos manchas de color que parpadean entre el follaje, esta ingente cantidad de fotógrafos han retratado a estas criaturas, poco habituales o desconocidas, de una manera terriblemente seductora. Desde la tortuga de tamaño hiperbólico que parece la Gamera de Godzilla, hasta el mono escultural que observa con su silueta recortada desde la cumbre la civilización humana, pasando por los pájaros de neón, con sus colores eléctricos y llameantes; raras avis que dirían los latinos. Una delicia. Resultan algo perfecto, la fantasía desconocida, pequeños arcanos de los que tener imágenes amables y nítidas. De estas especies raras uno puede hasta imaginar, gracias a la calidad de las fotografías, sus gorjeos y alaridos y sonidos, envueltos en esas Arcadias de madera de roble gastada, enredaderas y zarcillos de madreselvas y trepadoras hiedras. Sin duda un renacer del romanticismo y una vuelta a las primeras raíces que antes señalaba.

Hai que ser todo ollos para que estas secuencias fiquen na memoria dun. Sumerxirse nestas imaxes variadas que plasman a abstracta realidade da natureza semella unha xungla na que as lianas crecen tan apresa que un apenas é quén de abrirse paso a través da espesura. É una fantasía da Terra. Un mundo estrano mesmo para os biólogos, afeitos a este xénero. Pero non debe o lector levarse a engano: a exposición non é un zoolóxico estático. Acompañando aos retratos de animais, na sala hai xente contemplando á natureza en sí: detalles de lugares retratados na sonata de inverno, outono, verán e primavera. Unha busca de sensacións no observador que levan a amosar mesmo o efecto do quecemento global, con capturas de revolucións naturais coma esa gran columna ardente que se alza no horizonte do oeste americano. Mais sen ser tan catastrofista, as capturas submarinas nas profundidades do Pacífico nas que se amosa o degradado da cor azul, ou os acantilados mitolóxicos dalgún golfo que acto seguido nos remiten a alguna marisma fantasmal e de seguido a una praia desnuda, conforman secuencias que embelesan ao observador na contemplación de tales esencias.

Nesta 36ª edición os galardoados nas diferentes categorías do concurso foron entre outros: Bence Maté (Hungría) por ‘Teatro de sombras’, Bridgena Barnard (Sudáfrica) por ‘Almorzo do Nadal’, Arto Juvonen (Finlandia) por ‘Corre que te pillo’, Pascal Kobeh (Francia) por ‘Desfile de centolas’, Antonio Busiello (Italia) por ‘Esperando á tormenta’, Fréderic Demeuse (Bélxica) por ‘Regalo efémero’ ou Haijun Pei (China) por ‘Langur ñatu dourado’. Ademáis, na mostra pódese ver unha selección de imaxes de fotógrafos españois, coma Jordi Chias Pujol, Óscar Díez ou Juan Jesús González. Pero destaca de entre o grupos de fotógrafos da nosa terra Francisco Mingorance, con catro instantáneas expostas, sendo una delas (‘Lenzo da natureza’) a gañadora na categoría de Forma e composición.

En conxunto, a exposición é algo abrumadora. Recolle e recrea unha natureza descoñecida e presentada en alta definición. Fai que o mundo volva a existir. Velaquí o está: renacido do olvido ao que, dende a profundidade dos nosos localismos e individualismos, relegamos nalgún momento. Seica é un bo xeito de ter recuperada parte da nosa existencia…

‘Fotógrafos da Natureza. Wildlife photographer of the year 2011’

Centro Social Novacaixagalicia de Pontevedra

Do 5 de maio ao 19 de xuño

Augusto González Besada, 2

De luns a venres, de 18.00 a 21.00 horas.

Sábados, domingos e festivos de 11.00 a 14.00 e de 18.00 a 21.00 horas

diario ABC - Artes y Letras- Premoniciones sobre el arte de David Lynch (30-04-2011)

2011-05-02T22:59:00.009+02:00

(el artículo en la web del ABC aquí)

Se hace el silencio. El telón rojo de La Coruña se abre. Y entonces se abre otro mundo en el que lo real y lo imaginario no son contraposiciones. Action Reaction: El universo creativo de David Lynch muestra la poliédrica obra multidisciplinar de un cineasta excepcional.

ES UN MUNDO EXTRAÑO

Bien pensado, resulta absurdo. Como a él le gustaría. La exposición que retrata la imaginería de este creador macabramente surrealista se enmarca en la planta baja de un espacio cultural llamado “Normal”. Paradójico. Pero hablemos de sincronía antes de perder la perspectiva: desde el 11 de abril y hasta el 31 de mayo el visitante que se acerque a esta sala podrá encontrar algunos ejemplos del arte proteico de David Lynch, destacando la selección que la comisaria Antonella Montinaro ha realizado de la nueva pasión del genio de Montana: la litografía. Junto a esta exposición, la galería muestra una selección de sus dibujos, una proyección de sus cortos y un visionado de algunas de sus películas. Todo junto para dar idea al espectador de este particular y complejo universo creativo. “Mis películas –dice Lynch, quien afirma que se puso a hacer cine para entrar en sus pinturas- hablan todas de mundos extraños en los que no puedes entrar a menos de construirlos y filmarlos. Eso es lo que es tan importante para mí en el cine.”

Otra paradoja: uno de los espacios más blancos e iluminados de Coruña oculta los mundos más oscuros e inquietantes de Hollywood: desde la ciudad industrial donde nace un bebé grotesco al ritmo de una pesadilla detrás de un radiador hasta el pueblo maderero donde aparecen orejas cortadas al vaivén del terciopelo azul, pasando por una habitación roja fuera del tiempo donde un enano da pistas a un agente del FBI para descubrir quién mató a Laura Palmer... El desconcertante mundo onírico que se presenta en la práctica totalidad de la obra de David Lynch queda retratada, pues, en esta exclusiva exposición que abarca tres décadas de su panorama cinematográfico: sus cortos, Cabeza Borradora, Terciopelo Azul, El Hombre Elefante, Dune, Twin Peaks: Fuego Camina Conmigo, Carretera Perdida y Mulholland Drive. Se echan en falta, sin embargo, obras laureadas como Corazón Salvaje, Una Historia Verdadera o INLAND EMPIRE, cima del cine sensorial y menos argumental de Lynch.

Aunque no se cuenta en esta sala la génesis de su obra, resulta igual de apasionante poder visionar, en diferentes habitáculos, estos populares e influyentes largometrajes. Filmes que son objeto de cierta polémica mareante, al ser tachados de películas ininteligibles. Polémicaque el propio autor ataja en su libro Atrapa el pez dorado: “Puede ser muy abstracto, pero la gente ansía darle un sentido intelectual, traducirlo a palabras. Y cuando no pueden hacerlo, se sienten frustrados. (...)Pero si comentan la película con los amigos enseguida ven cosas: qué es esto, qué no es lo otro. Y tal vez coincidan o discrepen con ellos, pero ¿cómo pueden discrepar o coincidir si no saben nada? Lo interesante, pues, es que ya saben más de lo que creen. Y al expresar en voz alta lo que saben, lo ven más claro. Y cuando ven algo, pueden intentar aclararlo un poco más, y de nuevo, contrastarlo con un amigo. Y tal vez lleguen a alguna conclusión. que sería válida...”

AXXºNN: LABERINTOS NARRATIVOS EN LA PINTURA

“Pensar como un pintor te hacer ver las cosas por debajo de su aspecto superficial. Te ayuda a pensar más allá de las palabras”, afirma este creador polifacético. El hombre lógico y mítico enciende un cigarrillo mientras habla sin mirar a cámara. Explica a continuación por qué le gusta fotografiar naves industriales polacas abandonadas. [Empieza a resultar inquietante] Y entonces los cuadros crípticos de la pared. Algunas de las litografías que en 2007 comenzó a hacer con motivo de la instalación en la Fundación Cartier para su “The Air is on Fire”. Desde entonces ha realizado más de 70 obras con las placas de zinc en las que ha probado todo tipo de técnicas. La muestra exhibida en Coruña, por ejemplo, se realizó sin ningún tipo de bosquejo previo, prefiriendo el artista dibujar con el lápiz de grasa instintivamente sobre la piedra, dando como resultado formas figurativas y abstractas manchadas de tinta roja. Metáforas, alusiones, alegorías y referencias de todo tipo son parte fundamental de esta imaginería pictórica. Pero estos misterios no buscan ser resueltos; como en su cine, en lugar de buscar el significado último lo que se propone es disfrutar de la tensión que provocan los enigmas desconcertantes; el proceso de la acción/reacción. Mientras escribo esto flotan en la habitación los primeros acordes siniestramente melancólicos de Angelo Badalamenti para Twin Peaks. También como en el cine de Lynch los finales suelen ser un principio...

Lugar: Espacio de Intervención Cultural NORMAL (Paseo de Ronda, 47, La Coruña) 

Entrada: Gratuíta 

Fecha: 11 de abril - 31 de mayo 

Horario: De lunes a viernes, de 11:00 a 22:00 (sin interrupción) 

Ciclo de proyecciones: Del 5 de mayo al 23 de junio a las 19:30 horas (consultar programación en www.istoenormal.org)

Diario ABC - Artes y Letras- El renacimiento del mito (30-04-2011)

2011-05-01T23:45:00.002+02:00

El Héroe

David Rubín.

* * * * *

2011,  280 páginas. 25 € (cartoné, color)

Cuando el mes pasado se pudo leer en estas páginas la entrevista a David Rubín con motivo de la inminente publicación de “El Héroe”, ya se intuía que la pasión con la que el artista gallego hablaba de su nueva creación auguraba algo auténticamente grandioso. El primer volumen de esta historia en dos partes que narra las aventuras de Heracles ya está en todas las librerías del país. Y con el temor a parecer demasiado enfático, y tratando de enfriar intelectualmente el discurso apasionado que estoy a punto de desarrollar, quisiera poner de relieve que es difícil juzgar una obra que se presenta a medias. Que deja infectado al lector con el veneno del “continuará”; ese leit motiv con el que crecimos todos los lectores de tebeos (incluido el niño del prefacio). Pero este vacío que deja la espera es una nadería. Mientras aguardamos la continuación matamos el tiempo hablando de lo leído hasta ahora, jugando con ese otro placer que provocan las lecturas: la crítica textual. Y sí. En efecto, el lector que se preste a tal experiencia probablemente esté de acuerdo conmigo: estamos ante el cómic español del año.

Los estímulos sensoriales para afirmar algo así son más que evidentes: a la mejora del estilo de dibujo de Rubín (trazos más seguros, limpios y finos) hay que añadirle un gusto impactante en cuanto a la paleta de colores que impregnan las páginas y una lucida y desarrollada adaptación de la historia helénica del mito de Heracles. La sensibilidad autorial, ese mimo con el que ha trabajado en este entramado narrativo durante dos años y la oleada emocional que desprende cada una de las páginas, es la gran recompensa del lector a esta larga espera desde aquel lejano ya “Cuaderno de Tormentas”, tan alejado en el tiempo, tema y estilo.

Realzada pues la historia con un penetrante estilo visual, la novela gráfica se desarrolla en nueve capítulos en los que se narra bajo luces de neón las glorias de Heracles y las miserias de Euristeo; las aventuras del primer héroe que, en esta adaptación, jugando con anacronías y ucronías se nos ofrece a unos chicos que tienen a su vez como héroes a los mitos norteamericanos (Superman, Batman, Wonder Woman, Linterna Verde...), van en moto por lugares pintorescos escuchando en su ipod a David Bowie o se convierten en víctimas del “starsystem”. Cierto experimento que le sale bien a Rubín (entre tantos otros) es el de reinventar la historia: las terribles experiencias que tiene que vivir Heracles en forma de pruebas impuestas por Euristeo se enmarcan en capítulos autónomos, en los que se puede ver la evolución del héroe, tanto física (en cada capítulo el héroe va haciéndose más mayor) como psicológicamente. La fantasía de este recurso ameniza la lectura de una historia que en ocasiones omite la textualidad para dar paso a una serie de espléndidas páginas de acción en las que no hay más lenguaje que el de la cinética. La potencia de estas planchas, aparentemente de rasgos mundanos típicos de los cómics de superhéroes, encajan a la perfección en la narración global, al tener una calidad que recuerda al mejor Kirby (referenciado ya en la propia portada) o al “Manhunter” de Walter Simonson.

La imaginería de Rubín le va muy bien a esta historia de dioses, proezas tecnológicas, demonios y monstruos. La galería de seres que pueblan estas páginas es estimulante: desde las sensuales amazonas hasta los habitantes oprimidos de los pueblos, las marañas rojas de pelo, los seres mitológicos o las referencias superheroicas. Todo un circo de voluntarios que se mueven alrededor de la figura carismática de este niño al que vemos crecer y entrar en distintas fases de su vida, convirtiéndose capítulo a capítulo en un héroe cada vez más apreciado por la sociedad que lo rodea; una suerte de estrella del rock con sus seductoras noches de pasión con Diana (experta en sado) o con sus programas radiofónicos de debate en torno a su figura.

Nota aparte merece el tratamiento del color; el technicolor eléctrico o de neón con el que se da vida al blanco y negro de las páginas es la esencia de esta nueva sensibilidad. Un artificio más que evidencia la capacidad de renovación del autor (como señala Paco Roca en el prefacio) y que aviva con tonos fuertes las pruebas de Heracles; un mundo de fantasía que denota la oleada de libertad, movilidad y diversión con la que David Rubín ha edificado esta obra de indudable éxito.

DIARIO ABC- ARTES Y LETRAS- MITOLOGÍA CLÁSICA PARA EL MODERNO ARTE SECUENCIAL (26. 03. 2011)

2011-05-01T23:22:00.007+02:00

ENTREVISTA A DAVID RUBÍN:

MITOLOGÍA CLÁSICA PARA EL MODERNO ARTE SECUENCIAL

Iluminando con colores de neón y tinta china la gloria del mito de Heracles, vuelve David Rubín con su nueva obra “El Héroe”, una adaptación del tema clásico al noveno arte que saldrá a la venta el próximo 14 de abril.

Llueve en Coruña. Cuesta salir del laberinto de coches que se arremolinan en torno a las columnas de la plaza de Cuatro Caminos, que han servido de cuadernos para artistas gallegos. Entre ellos, Rubín. Su dibujo de Breogán sobresale y parece mirar al lugar de la cita: un estudio peculiar donde espera el autor ourensano, que comparte espacio de trabajo con otros grandes artistas: Alberto Guitián, José Domingo, Bernal Prieto y Roque Romero (compañeros de Polaqia). Vestido de riguroso negro nos invita a pasar a un reservado donde su silueta oscura lo inunda todo con su presencia. Saca un pitillo, esboza sonrisa y, mientras prepara café, empieza a trazar un diálogo sobre los mitos y los héroes, pronunciando las palabras con esa sorna gallega, con ese magnetismo de un hombre que se hace escuchar y leer.

Ya se ha podido ver un avance en internet de lo que será tu nueva obra “El Héroe”, y en las 25 páginas leídas hasta ahora se observa un cambio radical con respecto a “Cuaderno de tormentas”: desde la introspección narrativa que da paso a una historia de acción hasta la paleta de colores vivos de este Héroe, que contrasta con la oscuridad tonal del Cuaderno...

Sí, porque creo que esto es como todo en la vida: te dediques al tema creativo que sea la vida avanza, y tu forma de ver las cosas y lo que haces varía; el cuerpo te pide hacer cosas nuevas. Cuando hice “Cuaderno de Tormentas” no era el mismo que cuando hice “La tetería del oso malayo”. Y ahora que estamos todos pasando por uno de los peores momentos de la humanidad pues creo que es una de las ocasiones en las que más necesitamos a los héroes. Aunque por desgracia en la vida real no existan los superhéroes ni nadie que se les parezca, he pensado un poco a raíz de eso en “cómo molaría que hubiera una especie de Superman que venga aquí a arreglar todo este tinglado”. Quería pues, eso: hacer una historia sobre los héroes pero desde otro punto de vista, volviendo a la Grecia clásica, a los primeros héroes de la historia, y darle unas vueltas para contar algo nuevo, algo diferente con ellos. Creo que lo importante para cualquier historia es cómo cuentas la historia, no la propia historia en sí. En este libro por ejemplo el hilo conductor son las 12 pruebas de Hércules, que ya han sido mil veces contadas a través del cine, la literatura, incluso tebeos... pero precisamente lo que me preocupaba era cómo contar esta historia de un modo innovador y de paso hacerle un homenaje al género que me hizo interesarme por los cómics desde niño, que es el género de los superhéroes.

Es la obra más ambiciosa hasta la fecha que has llevado a cabo: número de páginas (500 en dos tomos), esfuerzo invertido (2 años)... ¿Ha cambiado tu forma de enfocar el trabajo a la hora de realizar una historia tan voluminosa?

Efectivamente. Iba a ser un solo volumen de 300 páginas pero se me fue de las manos (risas). Ha sido un poco a raíz de lo que te decía antes: empecé a escribirlo justo después de “Cuaderno de Tormentas” y de 2 o 3 cómics de encargo que hice por el medio, y tenía ganas de hacer un cómic de autor. Barajé varias propuestas (de hecho empecé a desarrollar otra antes que probablemente cuando termine con “El Héroe” volveré a retomar) en una época bastante gris de mi vida: trabajaba en una productora de animación (Digra films) en la cual estuve un año sin cobrar, tiempo en el que me dediqué a escribir “El Héroe”, ya que necesitaba una válvula de escape ante la mierda en la que me encontraba. Me refugié en una historia de aventuras para superar esos momentos duros. Cuando por fin me puse a dibujar la historia ya había abandonado la productora y pude dedicar este último año sólo a dibujar el cómic.

He podido leer en tu blog (detripas.blogspot.com) que has coqueteado con la técnica del lápiz quemado para ahorrar tiempo en tus últimos trabajos. ¿En “El Héroe” veremos un nuevo estilo de Rubín sin las tintas tan características?

En efecto. Hubo una época en la que barajé la posibilidad de no entintar, simplemente quemar el lápiz en Photoshop y colorear directamente sobre estos lápices, ya que los lápices en este libro están bastante trabajados y me lo permitían. Hice varias pruebas de color con esta técnica pero no terminaba de verlo: por un lado porque estoy acostumbrado a ver mi acabado con tinta y luego porque no las tenía todas conmigo. No quedaba mal el resultado pero la editorial tampoco estaba muy convencida, así que volvimos a lo habitual, aunque el entintando que he hecho en “El Héroe” es bastante diferente al de otros trabajos, ya que con cada obra que hago quiero hacer algo distinto a la anterior, pero manteniendo la unidad de mi forma de pensar y mi trayectoria. Ahora abuso menos de la mancha negra, hay menos oscuridad en las páginas, el dibujo está más desnudo... con el negro muchas veces tapaba las cosas que no sabía o no me atrevía a dibujar. Escondía errores. En este libro me he tenido que enfrentar en multitud de páginas a cosas que jamás había dibujado o que jamás me había planteado dibujar en mi vida.

También hay algo que en los otros tebeos tuyos no se había visto ahora: el tema de la acción...

Sí. Las páginas que hay ahora mismo circulando por internet son las más tranquilitas que hay en el tebeo, pero tampoco he querido hacer páginas como las de DC o Marvel, en las que las secuencias de acción son de dos páginas y ala, ya está. Y luego do de diálogo y nuevamente acción. No. Quería hacer acción de verdad y sacarle todo el partido narrativo posible a este medio, el cómic, del cual aún quedan muchas cosas por explorar. Así que me dije: “¿Qué pasaría si hago una secuencia de 30 páginas seguidas sólo de acción?” Y salieron casi sin diálogos ni nada... ¡pero justificadas! No por pirotecnia gráfica ni por el onanismo de hacer las mejores páginas de acción del mundo del cómic, sino porque la historia lo pedía: si a Heracles le costaba vencer a tal o cual enemigo le debía costar de verdad. Quería representar el sufrimiento del héroe.

¿Para enfocar este tema cómo te documentaste; qué te ha servido de referencia?

Me documenté bastante sobre el tema clásico, sobre todo lo que envolvía a la figura de Heracles y los dioses, leyendo bastantes libros, buscando en internet... me bajé kilos y kilos de información que luego deseché. Creo que necesitas tener una base bien formada de, en este caso la Grecia clásica y sus mitos, para luego poder destruir todo eso desde el conocimiento y crear algo nuevo a partir de ahí. En este cómic no te vas a encontrar las 12 pruebas al 100%, de hecho las he cambiado de orden, dentro de ellas no se resuelven las cosas como están escritas en los mitos, sino como a mí me resultaba mejor. En el fondo también he hecho este tebeo para divertirme; quería pasármelo realmente bien haciendo mi trabajo, sorprendiéndome a mí mismo página a página (y creo que esta misma sensación la podrá captar el lector).

¿En qué se diferencia tu versión de la historia a cualquier otra adaptación que se haya podido ver hasta ahora?

El enfoque que yo le he dado es el de una “novela río”. Normalmente cuando hemos visto en películas, novelas u otros cómics al personaje de Heracles, siempre es un hombre de entre veinte y treinta años, cachas y que va por ahí repartiendo. A mí sin embargo se me ocurrió contar el nacimiento, vida, obra y muerte de Heracles con sus 12 pruebas. De modo que las primeras pruebas son cuando es un niño y aún no es famoso ni considerado un héroe, luego se convierte en una especie de héroe adolescente que vuelve loco a las chavalas, al más puro estilo del protagonista de Crepúsculo (risas): hay pósters suyos, hay ipods, motos, televisiones... pero eso, poco a poco vas viendo la madurez del personaje y cómo al avanzar en edad varía su modo de entender el mundo: sus primeras luchas son un juego pero a medida que avanza se da cuenta de que la vida no es un juego. La primera parte de este libro narra eso: desde el nacimiento hasta el final de la juventud de Heracles. La segunda parte, que será más oscura, es la madurez y la decadencia del personaje.

La historia del mito de Heracles es usada en esta novela gráfica, (por cierto, es una novela gráfica?)

La etiqueta de novela gráfica significa un cómic de mayor o menor extensión en el que el autor no está condicionado absolutamente por nada. Creas la obra que te da la real gana sin imposiciones editoriales ni de expectativas de público, ni de ventas ni de nada. Es la obra que tú como artista necesitas hacer. En este sentido he tenido libertad total, lo que pasa es que como en esta obra salen hostias (risas) la gente cree que no es novela gráfica, que falta gente tomando café y pensando para sus adentros lo triste que es la vida. Pero bueno, que este tema aunque cree revuelo me despreocupa bastante.

decía que el mito de Heracles es usado como pretexto para hacer un "tratado" desmitificador del arquetipo del héroe. ¿Es una manera de humanizar a los héroes? ¿Una forma de deconstruir los mitos heroicos?

Sí. Lo que aquí se cuenta podría extrapolarse a cualquier tipo de héroe, podría contarse con Superman por ejemplo.

Así pues la obra presenta el 14 de abril con motivo del salón del cómic de Barcelona. ¿Hay alguna fecha concreta para hacer una presentación en Galicia?

Sí, se presentará el 14 pero ya estará antes en las librerías de toda España. En Galicia habrá presentaciones en todas las ciudades, pero todavía no están cuadradas las fechas. Las iré anunciando a su debido momento en mi blog. Pero serán en el mes de mayo.

Aseguras haberte tomado el cómic como algo serio para poder vivir de él, al contrario que otros autores que lo hacen por hobby. ¿Es esta actitud la principal necesidad del mercado español para alcanzar el nivel del europeo?

Durante los últimos 10 años de mi vida había tenido al cómic como un hobby que por suerte me daba bastante dinero. Pero el año que estuve sin cobrar en mi trabajo descubrí que podía vivir de lo que hacía en el mundo del cómic. Así que pensé que si me tomaba más en serio esto, si me esforzaba un poco más haciendo obras que gustaran a más gente (como este último trabajo) podría vivir del cómic.

¿Esta evolución responde a un modo de llegar a un público más mayoritario?

Sí, un poco sí. Hombre, mis cómics se han vendido bastante bien y se siguen vendiendo a día de hoy. Pero nunca se sabe. Por ejemplo, cuando salió “La tetería del oso malayo” yo les decía: esto no le va a gustar a nadie, es muy personal. Y sin embargo fue muy bien de ventas. Se agotó la 1ª edición a los dos meses y es un tebeo que se sigue vendiendo. ¿Con “El Héroe? No lo sé. Tengo altas expectativas pero igual es un fracaso... de todas maneras tengo puesta mucha fe en él y espero que funcione aquí y en el extranjero (tengo 18 ofertas del extranjero para que sea publicado fuera de nuestro país). Recuperando tu pregunta anterior te diré que exportando sólo mano de obra, exportando obras de autores españoles para que luego las editoriales españolas (o gallegas en este caso también) compren a los franceses o a los americanos y las publiquen aquí hace que ese dinero siquiera vaya a parar al autor; se queda en Francia o en EE.UU., ya que al final estás comprando el trabajo de gente de aquí hecho para gente de allá; son tebeos de otro país. La clave está en hacer tebeos aquí y venderlos al extranjero.

También debe ser importante el apoyo institucional para lograr esto que propones. ¿Crees que es suficiente el que recibe el mundo del cómic hoy en día en este país?

Sí que se le presta más atención ahora que hace unos años. Yo en mi caso no lo noto porque tampoco he pedido ayuda. Trabajo directamente con la editorial (Astiberri en este caso) con quien acuerdo un precio por el trabajo. Pero no puedo decir mucho del tema porque no he tenido subvenciones. Pero las ayudas creo que estarían bien más que para editar, para ayudar apoyando eventos (por ejemplo pagar desplazamientos a ferias; no todo el mundo puede irse 4 días a Angouleme para mover su carpeta y ver si puede colocar allí su tebeo). Quedan cosas, por supuesto, como que se creen aquí en Galicia unos premios decentes para la creación de cómic.

diario ABC- ARTES Y LETRAS- PINTANDO UNA METRÓPOLIS DE ENSUEÑO (26. 02. 2011)

2011-03-19T13:21:00.003+01:00

Liberado de la gravedad y la antropometría de los espacios, presenta David Pintor su último cuaderno de viajes: “Compostela” (Kalandraka, 2010), libro que recoge la mirada personal del autor sobre la capital gallega con un estilo naïf y onírico

Avivando un agradable sabor a café abre uno este libro de David Pintor. Y, efectivamente, se disfruta plenamente con el aroma de esta bebida tal y como recomienda el autor. “Compostela”, último cuaderno de viaje publicado por el dibujante gallego, presenta 33 ilustraciones en formato apaisado que captan la visión personal de los lugares más emblemáticos de la ciudad que da nombre al libro: la plaza del Obradoiro, la cafetería del Hostal de los Reyes Católicos, el arco de Xelmírez, la Catedral de Santiago, la Capilla de San Francisco, la Facultad de Periodismo, la Avenida Xoan XXIII, el jardín del Hotel Costa Vella, la calle de las Campanas de San Juan, la calle Jerusalén, la Plaza de la Quintana, la cafetería Literarios, la plaza de los hermanos Gómez, el Centro Galego de Arte Contemporánea, el parque de Bonaval, la plaza de Fonseca, la plaza de la universidad, la plaza de Mazarelos, el arco de Mazarelos, la cafetería Derby, la rúa Nova, la rúa do Vilar, el callejón Entrerrúas, la travesía del Franco, la Puerta Faxeira y la Alameda.

Las ilustraciones panorámicas a doble página exploran los cotos del centro compostelano reproduciendo no solamente la euforia de los grandes espacios, sino también vaciando de personas la atmósfera santiaguesa. Si bien uno de los significados de la palabra ‘espacio’ es el vacío, el espacio exiguo se ve casi automáticamente como un espacio lleno. Así, las calles y plazas aparecen despejadas y sólo el propio autor pasea libremente por estos escenarios naïfs, libres de cualquier sombra extraña, llenándolo todo. Un dandy valleinclaniano de sombrero y bufanda dibuja en su cuaderno los paisajes coloridos que se le presentan bajo una constante lluvia dorada de hojarasca con forma de corazón. Unas estampas que dan una representación opuesta a la estereotipada por el tiempo. La Compostela de David Pintor no es la de los peregrinos, la lluvia o el santo, sino la ciudadela de trazo fino y apurado, de colores apagados y manchados, que evocan unas dotes de observación ciertamente ensoñadoras. Las anotaciones en el cuaderno de viajes captan una experiencia sensorial que algunos tildan de realismo mágico, pero que no deja de ser de una imaginería profunda y desdibujada que proyecta una atmósfera suavizada. En todo caso el lector/observador se encontrará otra Compostela; una visión renovada y enriquecida (no por ello opuesta a la realidad), una ventana a través de la cual determinados escenarios que para otras personas podrían ser considerados como normales David Pintor los imagina oníricos y estrafalarios (limpio calificativo de todo carácter peyorativo), derivando casi en un diario íntimo de luces suaves y frías. La soledad paradójica que destilan las páginas se impregnan por la aparentemente sencilla ductilidad y calma que logra el autor, representando la ciudad antropomórfica en ese umbral del espacio imaginario y el espacio que habitamos. Da igual que sean las amplias plazas coloreadas como lagos o las superficies de los tejados que sirven para mecer hamacas que se abren a abismos de paradojas. El espacio representado en este cuaderno es la transición a la elevación artística de un espacio real, ya de por sí artístico.

El libro empieza y acaba con dos capturas desde diferentes ángulos del ‘skyline’ santiagués, formando de manera sutil una especie de cinta de Moebius que genera una última sensación en este paseo por la capital gallega: la de que uno se ha dejado atrapar por este espectáculo visual del que ya no quiere marcharse por temor a que la realidad resulte terriblemente aburrida y desoladora.

Diario ABC- ARTES Y LETRAS- NUEVOS TIEMPOS PARA EL PASADO (26. 02. 2011)

2011-03-19T12:59:00.007+01:00

( versión digital en la web del ABC aquí )

Transtempo

Cristina García Rodero

La Fábrica Editorial

23 x 28.5 cm

256 páginas

Viene de ser exhibida en el CGAC Transtempo, de Cristina García Rodero. Una heterogénea exposición de más de 100 fotografías recogida ahora en este volumen que desnuda las raíces de una Galicia probablemente desconocida para los habitantes de las metrópolis gallegas, ciudadanos acostumbrados a discursos de pacotilla en boca de fulanas de realities, que no saben dónde empieza la lengua y acaban las raíces. Y se jactan de esa ignorancia. A ellos esta Galicia les resultará lejana, un reflejo de las novelas de Cunqueiro, Castelao o Blanco Amor, pero que tan pronto cojan en sus manos les abrirá la puerta que separa el pasado del presente. Les provocará una cierta reacción en sus vísceras. Un súmmum sensorial que sólo la fotógrafa de Puertollano podría conseguir. Cristina García ostenta desde 2009 el mérito de ser la primera fotógrafa española en ser miembro de la prestigiosa agencia Magnum, y a su metódico y acertado ojo une un único espectro emocional para configurar una trinidad con su cámara. La calidad de su trabajo es lo que la ha llevado a ese éxito profesional del que treinta años atrás, cuando empezó este reportaje, aún no gozaba. Sin embargo aquí está, tres décadas en el futuro, esta observación casi voyeurista de las sensaciones, ese juego de miradas entre la autora y lo enfocado que desprende la inocencia de lo retratado: una pureza concentrada que provoca estremecimiento. Aquí no encontrará el lector arquitecturas ni juegos visuales. La autora expone representaciones casi rudimentarias de momentos fugaces, de momentos que anudan el pasado, el presente y el futuro de la humanidad del oeste peninsular. Claro que hay simetrías y composiciones con juegos de luces y enfoques, pero son un envoltorio que no ocultan la verdadera intención de la fotógrafa: revelar los sentimientos del pueblo.

Decía el mes pasado en estas páginas que cada fotografía concentra una estimulación de los recuerdos que construyen nuestra identidad, pero después de pasear libremente por las imágenes que ha retratado Cristina, el barrido visual por las páginas de este “Transtempo” le produce a uno la sensación de haber ido más allá, de haberse adentrado en un curso de antropología social. Durante la observación de estas fotografías, aunque sea ésta una observación rápida, uno no puede dejar de sentirse ocupado por la hermenéutica de las imágenes lacónicas que va descifrando. Encontrar el ritual del entierro de un nieto por parte de una abuela, configurar circunstancias y lugares concretos a fiestas y romerías populares o asignar rostros a sujetos que en el subconsciente somos nosotros, son actitudes que provoca este compendio de la identidad gallega, este reportaje histórico de la idiosincrasia del país. Acertadamente señala Miguel von Hafe (comisario de la exposición) en su prólogo a la obra que, como artista, “Cristina García Rodero sabe que estos documentos no nos devuelven la realidad. No nos cuentan historias, no son ilustraciones de un relato particular. Se constituyen en un meta-relato, que recorre con precisión interrogativa un determinado contexto social y geográfico, que lo supera, lo desborda para regresar siempre a su lugar original”. Esta espiral que deambula entre lo que se puede clasificar como arte o reportaje tal vez evoque al observador una duda pueril: ¿por qué una foránea escarba en nuestros sentimientos y paradigmas? En mi caso esta duda resulta absurda; me limito a considerar el resultado de la obra en su conjunto, las razones intelectuales o existenciales de las que proviene la idea de buscar las raíces gallegas por parte de una oriunda de Ciudad Real pertenece a una esfera completamente privada que sólo le importa a la artista. Lo que sí me importa es que en las revisiones selectivas de esta obra, mi mirada apresaba las fotos en las que creía reconocer paisajes por los que solía pasear en mi infancia. Quizás con esa economía del estudiante universitario vago que sabe recorrer apuntes detectando únicamente los pasajes útiles para el examen, así me reconocí buscando esas imágenes que me evocaban a mi pasado. Y me llevé una sorpresa: prácticamente la totalidad de la obra sumergía mis imágenes mentales en las páginas y se superponían a las imágenes de Cristina.

Diario ABC- ARTES Y LETRAS- GALICIA E OS MUNDOS PARALELOS (25. 01. 2011)

2011-02-09T01:01:00.007+01:00

aquí la edición online en castellano

Galicia no Medio do Mundo

Alejandro Castro de la Iglesia

Teófilo Edicións, Xaneiro 2011

Na Galicia de comezos do século XXI, a fotografía desquitouse por completo e superou tódolos ostracismos e a indiferenza que lle acompañara durante tanto tempo. Hoxe está presente en todas partes, dende no Museo de Arte Contemporáneo compostelán ao espazo Moret Art vigués; do museo municipal ourensán á Cidade da Cultura do monte Gaiás. Incluso este crecimento provocou a aparición masiva de libros de fotografía que habitan nos fogares coma algo máis que meros obxectos decorativos e símbolo cultural, inda que a día de hoxe poucas son as novidades editoriais que se atrevan coa fotografía do país, inda que habelas hainas e sempre se agradece telas atopadas nos escaparates ao carón dos voluminosos tomos de fotografía erótica ou de deseño. Así, nunha paisaxe de cubertas coloridas con porno duro, fotogramas clásicos ou arquitecturas imposibles atopamos esta viaxe visual que plantexa GALICIA No Medio Do Mundo (Teófilo Edicións), cunha atractiva composición colorida para a portada que permite intuir o que o lector se vai atopar no interior deste volume de gran formato.

Galicia e a fotografía recorren un camiño común, e coma compañeiros de viaxe, decidiron neste libro sair da peceira e comparar o propio no océano do alleo; ver cómo o galego é proxectado no resto do mundo ou, dito doutro xeito, comprobar cómo a realidade particular plásmase na universalidade. “Levar o pescado a Cangas é coma levar carbón a Newcastle”, sinala con certa gracia mareante o editor J.Luis Teófilo Piñeiro. E quizáis sen querelo esa reflexión contén certo poso de carácter autóctono, esa negra sombra feita morriña que a todo galego lle fai ver en calquer punto alonxado algo que lle recorde a súa terra. Deste xeito, un pasea por estas máis de 150 imaxes e comproba o carácter testemuñal da fotografía; o instantáneo plasmado na permanenza desta expresión artística. Esa fracción de segundo que a Alejandro Castro evocoulle ao seu fogar e que, mediante a comparación, nos mostra as similitudes de distintas identidades: dende un sorriso ata unha plataforma, pasando por portos, portas, mercados ou oficios. A través dunha eficaz estrutura confrontada a modo de reflexos de espello, as distintas realidades do mundo confróntanse coa galega con máis colorido que melancolía, baixo unha mirada case verbal que evoca calquer poesía rosaliana.

GALICIA A TRAVÉS DO ESPELLO

Cada fotografía concentra unha estimulación das lembranzas que constrúen a nosa identidade, descubríndonos a luz e mais o (c)olor do fogar a milleiros de kilómetros de distancia. “Unha foto só pode captar un momento entre millóns de momentos da vida dunha persoa”, escribe Jonathan Coe na “Choiva antes de caer”. Alejandro Castro expresará neste libro eses momentos que poden trasladarse no espazo/tempo e (tr)ascender coma algo universal e non puntual. Unha cuestión de fe? Ver para crer? As imaxes son o espello que demostran esta ollada dende diferentes ángulos, ambivalentes encuadres, dobres exposicións ou luminacións iuxtapostas, cambios de escala ou dobres texturas. Consegue pois o artista o entrelazado da neutralidade descritiva e a verosimilitude, imperando nestas láminas ese fondo de carácter documental da obra. Xa non son imaxes de Galicia e o mundo, senon un mundo de imaxes.

Diario ABC - Artes y Letras- LAS PLATAFORMAS DEL FONTANERO (31-12-2010)

2011-01-01T15:09:00.004+01:00

Llega a A Coruña una exposición llena de bits en la que se repasan los 25 años de la historia de Super Mario, máximo icono y eterno renovador del mundo de los videojuegos.

El universo de setas, estrellas, tortugas voladoras, tuberías imposibles y fontaneros saltarines cumple 25 años. Y para conmemorar este aniversario Nintendo y Novacaixagalicia acercan a todos los fans gallegos una exposición en la que se hace un recorrido por la evolución de Super Mario, desde sus orígenes en los bits hasta sus nuevas aventuras tridimensionales. La muestra, que podrá visitarse en la sede de la Fundación Novacaixagalicia hasta el día 9 de enero, entre otras sorpresas habilitará al público los videojuegos que hicieron sobresalir a este personaje en el panorama del entretenimiento: desde el Super Marios Bros de la Nes (1985) hasta el New Super Mario Bros para Wii (2010).

La historia de este fontanero de peto azul y camisa y gorra rojas creado por Shigeru Miyamoto se remonta al año 1982, donde hizo su primera aparición en el videojuego Donkey Kong y en su secuela Donkey Kong Jr., ambos títulos para recreativas, y tal fue su éxito que al año siguiente aparecería el primer título íntegro para este personaje: Mario Bros. (1983), en el que se introdujeron las clásicas tuberías verdes, las tortugas (koopas) y al hermano de Mario, Luigi, en un intento por hacer multijugador a este videojuego (utilizándose el mismo sprite de Mario pero con color verde). Sin embargo el boom de Mario se produce cuando Nintendo saca a la venta en 1985 una consola para el hogar: la NES, y con ella el primer videojuego de plataformas con movimiento lateral: Super Mario Bros. Unido a esta novedosa forma de hacer videojuegos, una genial banda sonora compuesta por el artista Koji Kondo (creador de melodías fácilmente reconocibles por cualquiera aún hoy en día), el hecho de tratarse del primer juego complejo y minucioso de la historia (debido a los amplios mapas, los secretos ocultos y la calidad de sus gráficos) y que, por encima, el movimiento del personaje respondía rápidamente a los botones del mando, hicieron que las ventas de esta forma de entretenimiento se dispararan. Se vendieron 40 millones de juegos a nivel mundial y su éxito, al nivel del famoso Tetris, convirtieron a este personaje en un icono carismático.

Nacieron de esta manera los bloques amarillos con una interrogación, las setas rojas que hacen crecer al héroe, las setas verdes que dan vidas extra al jugador, las estrellas saltarinas, las plantas carnívoras, los champiñones, las tortugas voladoras... un mundo de posibilidades que fue aumentando con las inevitables secuelas que se hicieron de este popular juego: Super Mario Bros. The Lost Levels (1988), secuela japonesa que, debido a su dificultad sólo fue distribuída en el país nipón; Super Mario Bros.2 (1988) y Super Mario Bros 3 (1988), último juego para la plataforma NES y que, debido a su éxito de crítica y público, propició la aparición de unos dibujos animados para la televisión con las aventuras derivadas de este juego. La mariomanía se fue extendiendo a otras consolas como la Game Boy (Super Mario Land, Super Mario Land 2) o la Super Nintendo (con su clásico Super Mario World o el Super Mario Kart). En todas estas secuelas el mundo de Super Mario crecía de tal manera que la premisa en muchos títulos ya no era rescatar a la princesa Peach, el personaje principal no tenía por qué ser el fontanero, aparecieron nuevos personajes como el antagónico Wario o el dinosaurio-montura Yoshi (quienes protagonizarían posteriormente videojuegos propios) y se desarrollaron nuevas formas de juego.

A mediados de los años 90 el sector de los videojuegos estaba a punto de vivir otra revolución con la inminente aparición de la Nintendo 64 (1996): una consola que dejaba atrás el uso de los sprites y las plataformas en dos dimensiones para dar paso a las tres dimensiones y elementos poligonales de alta calidad visual. Así nace Super Mario 64, un videojuego que aún hoy sigue siendo influencia directa de juegos para la Wii. Su aparición supuso un éxito de crítica y ventas y para muchos sirvió como justificación para adquirir la cara Nintendo 64. Y es que la recreación del universo de Mario en tres dimensiones fue algo más que una simple traslación de dimensiones: innovó en el multiperspectivismo del juego (el jugador puede elegir entre diferentes puntos de vista opcionales), el primordial uso del stick analógico (que ha acabado sustituyendo a la clásica cruceta de botones) y el libre acceso a los niveles del juego (sin un orden lineal obligatorio) hicieron de este título uno de los mejores de la historia. Lejos quedaban ya aquellos cartuchos de 8 y 16 bits en los que un fontanero pixelizado daba brincos de izquierda a derecha con la única mecánica de llegar al final de las fases y conseguir rescatar a la princesa.

Después de poner patas arriba la ley de la gravedad y el sistema de juego con el Super Mario Galaxy para la Wii y de haber reeditado el clásico Super Mario Bros con nuevos sistemas de juego, una cosa queda clara: Nintendo sabe qué teclas tocar para que no podamos decir eso de “No, si en esto de las consolas yo ya lo he visto todo...”.

Diario ABC- Artes y Letras- CUANDO EL BLOGGER DECIDE (27-11-2010)

2010-11-30T12:57:00.003+01:00

ABC celebra el décimo aniversario de la librería A Gata Tola con una entrevista a su fundador, Santi Navia, en la que analiza el momento actual del mundo del cómic, su futuro y la influencia que la red ha tenido sobre los nuevos lectores

A pesar del cambio de local hace algunos años, nada ha cambiado en esta librería compostelana. Ni siquiera el aire, para que se sigan conservando en ella el mundo de historias que allí llegaron para marcharse. Miles de aventuras, en una biblioteca infinita, que dan noticia de otras tantas existencias de superhéroes, de vidas cotidianas, de manchas en hojas de papel. Muchos nos aficionamos a nuevas lecturas gracias a esta tienda, lugar de encuentro de gente desconocida pero con similares gustos e intereses, intercambiando opiniones y palabras, creando espontáneas tertulias y abriendo el apetito de la narración gráfica. En A Gata Tola el tiempo va más despacio. Debe ser esto lo que buscamos todos en ella: un rincón en el que evadirnos de la aceleración del día a día para transportarnos a universos de viñetas. Detrás del mostrador, bajo la atenta mirada de un princesa Leia y un Batman en blanco y negro, Santi sigue recordando a día de hoy cómo nació la idea de montar esta tienda en Santiago hace 10 años.
- Estaba trabajando fuera de Galicia pero quería regresar y establecerme en Santiago. Mi idea era montar una tienda de cómics grande, como las que acababa de descubrir en Madrid, así que me fui hasta el Salón del Cómic de Barcelona, hablé con los distribuidores y en cuanto llegué a Santiago empecé a buscar un local. Ésta fue la verdadera odisea, ya que el margen que tenemos con la venta de libros es pequeño y en cuanto pregunté por el precio de los bajos me asusté. Tardé 8 meses en encontrar un local que se ajustara a lo que yo podía pagar y consideraba que podría ser rentable.
- ¿Esta iniciativa emprendedora surgió del interés por ofrecer a los aficionados algo distinto a lo que ya se ofrecía en la ciudad compostelana?
- Sí. Yo pensaba que había cierto tipo de productos, como el cómic de superhéroes, que estaba muy disperso en los kioscos y que no había un sitio que los concentrara. Había alguna tienda pero que se dedicaba a otro tipo de productos de cómics y éstos lo dejaba un poco de lado. Yo empecé por otra clase de producto y poco a poco fue andando la cosa.
- Diez años después, ¿cómo valora la evolución de la tienda y la del mercado del cómic?
- Para mí la evolución más significativa de los primeros años fue el impulso del manga, ya que hasta hace un par de años éste tuvo un auge enorme gracias a Internet. Además, la entrada del público femenino en el mundo del manga también fue muy importante. Sin embargo desde hace dos años para aquí se percibe un interés muy grande del cómic independiente europeo y español (creo que la mayoría del cómic español que se hace a día de hoy es independiente: la obra de Paco Roca, por ejemplo, son historias que yo enclavaría dentro de la banda diseñada independiente).
- Y dentro de esos autores españoles, ¿cuál es el gallego que tiene más tirón entre el público?
- Ahora mismo David Rubín. Miguelanxo Prado también pero en su caso hace bastante tiempo que no publica un álbum (el último fue La Mansión de los Pampín), pero de los que están publicando habitualmente Rubín es el más activo y del que más obras se edita.
- ¿Está afectando la crisis al mercado del cómic?
- Por ahora no se nota y creo que eso se debe a que estamos hablando de productos con un precio relativamente bajo. El público puede comentar que es más o menos cara cierta edición pero en realidad es bajo para que la crisis afecte. Bajo mi punto de vista, la crisis afecta a productos en los que tienes que hacer un desembolso más grande, como ocurre con electrodomésticos o muebles. Son compras que te planteas más. Comprar un cómic por diez o quince euros no plantea dudas muy grandes.
- A esta apreciación debemos añadir que el lector del cómic es muy fiel, ¿no?
- Sí, el lector del cómic es muy fiel. Y además hay una serie de productos como los de superhéroes o el manga que salen cada mes o cada dos meses y que provocan que el cliente visite la tienda para saber si salió el nuevo número. Aquí influye mucho el factor coleccionismo.
- ¿Todo lo que está surgiendo en los últimos tiempos alrededor del cómic digital preocupa a los vendedores de cómic?
- No lo sé. No creo que yo ni nadie tenga idea de lo que va a ocurrir con eso. Cuando los productos estén digitalizados a lo mejor afecta o no. Yo creo que son productos muy diferentes. Es decir, en unos tienes soporte y en otros un objeto físico. Todavía es muy pronto. Yo me imagino que al principio nos afectará a algunos, sobre todo por la novedad, pero después quedará también el objeto físico, que es el libro; el hecho de poseer algo y no una serie de bytes es más importante de lo que creemos. A lo mejor vendemos menos pero yo creo que no desaparecerá. Pongo siempre en este caso el ejemplo de la música descargada y el vinilo. Hay mercado para todo.
- Regresando a los lectores, ¿Qué es lo que incita a un nuevo cliente a entrar en la tienda o a empezar una nueva colección?
- Yo creo que influyen distintos factores: El factor nostalgia, la niñez, las búsquedas por Internet, el entrar y descubrir un mundo nuevo orientado a todo tipo de públicos y lectores... Ahora mismo tenemos lectores desde los 10 años hasta los 60, aunque el bruto se concentra entre los 25 y los 40 años.
- Eso contrasta con uno de los tópicos que hay sobre el prototipo de lector de cómic, que es un mercado dirigido a niños…
- Sí, el que no es lector de cómics es lo que se imagina, que los cómics son infantiles. Pero nada más lejos de la realidad: a día hoy si me preguntan por un cómic para un niño de seis años tendría dificultades para dárselo porque para ese tipo de público no hay. Quiero decir, un tebeo de Batman no está hecho para un público de 6 años, ni de 8 ni de 10. Es para un público adulto. Muchos vienen porque ven la película. Me pasó ayer y sólo pudo elegir entre tres o cuatro porque en la mayoría la estética es más dura, las historias son para un lector que las sigue desde hace diez o veinte años y no para el público infantil.
- ¿Cuáles son las temáticas que más se venden ahora mismo?
- Yo creo que de todo. Lo que triunfa es la calidad y la influencia de Internet. Es decir, hay mucho producto que ya se ha comentado antes en la red y gente que se decanta por una historia por los buenos comentarios que ha leído sobre ella. Y eso pasa en casi todos los ámbitos: hay blogs que influyen mucho en cuanto a cómic europeo y español por ejemplo. Aún así, los superhéroes siguen siendo la estrella. Son el subgénero más importante del mundo del cómic porque tienen un público fiel y llevan cincuenta años con una evolución propia. Es el producto que más habría que estudiar en el futuro viéndolo como una subcultura en el mundo del cómic.
- Entonces queda claro que el poder de Internet, las críticas que se publican en la red son lo que más motiva a comprar…
- Yo creo que ahora mismo sí. No todo lo que se lee en Internet sino determinadas páginas web que influyen mucho en el comprador final porque es donde más se mira: La cárcel de papel, Zona negativa… son grandes influencias en la venta final. Implican un 25% más de venta. Es un canal de información bruto y sin prensar que llega a mucha gente. Ahora en vez de preguntar a un colega vas directamente a la red. Cada vez funciona más la propia realidad del producto en sí que genera una corriente de opinión que influye en el comprador final.
- También proporcionáis otras salidas de ocio, como los torneos de cartas…
- Sí, hay un mercado de juegos de cartas como Magic que son evoluciones de los juegos de cartas habituales pero con otro tipo de nivel y estrategia. En países como Alemania, Suiza o Dinamarca, donde no hay una tradición de hacer vida social fuera de casa sino dentro de su propio domicilio, son muy populares. Son juegos sociales. Aquí se encuentra gente que interactúa con otras personas y que así expresa sus inquietudes en torneos y partidas que se realizan los viernes y sábados en una parte del local.

Cinco recomendaciones

- "El arte de volar" (español), ganador del Premio Nacional. Me parece un gran cómic con una gran historia, psicológicamente muy profunda.
- "Los combates cotidianos" (europeo) en una edición integral que acaba de publicarse, es uno de esos cómics sobre los pequeños problemas que no hay que dejar escapar.
- "Daredevil Born Again" (superhéroes) uno de los cómics fundamentales de los 80 y uno de los mejores de Frank Miller. Una desestructuración de los superhéroes brutal y una mirada sobre lo que es la humanidad y cómo tenemos que volver a luchar y mirar hacia delante cuanto todo se ha perdido.
- "Pluto" (manga) una visión a modo de thriller con asesinatos muy buena. Sólo 8 volúmenes que tratan la intrahistoria de los cómics japoneses con una visión novedosa.
- "Lo peor de Vázquez", una buena manera de ver la frescura de los cómics del destape, irreverente, los últimos cómics de un gran genio de la cultura del cómic.

(También puede verse en la edición digital del ABC)

Diario ABC -Artes y Letras- PESADILLA ANTES DE NAVIDAD (30-10-2010)

2010-10-30T14:06:00.006+02:00

Con el humo de las velas muy cerca de disiparse por completo, la penumbra del teatro de la muerte de Alice Cooper llenará el 27 de noviembre el Multiusos del Sar en Compostela.

Un genio carismático. No hay más discusión. Lo que Vincent Fournier –alias Alice Cooper, creador del shock rock- ha conseguido mediante su alter-ego en el mundo del rock sólo puede ser considerado como la obra maestra de un artista sin comparación alguna. “Son la peor banda de todos los tiempos. Pero tienen sentido del humor.”, sentenció Frank Sinatra sobre esta banda allá por el 1967. Y es que Alice entendió una novedosa manera de mostrar la música, de expresar el rock, de utilizarlo como lenguaje. Comprendió que la música tenía que ir más allá, que era un espectáculo, entretenimiento puro. Llevó a los escenarios una puesta en escena revolucionaria con su peculiar teatro de los horrores compuesto de sangre, guillotinas, horcas, sillas eléctricas y demás atrezzo teatral propio de The Rocky Horror Picture Show; un circo de emociones indescriptibles para acompañar a la música más poderosa del mundo. Para Alice Cooper asistir a un concierto de rock representa algo más que ir a ver a la banda de un disco y escucharla interpretar sus canciones. Debe ser todo un espectáculo, una excitante representación operística que capte todos los sentidos del público. Y eso es lo que hizo. Crear todo un universo de historias, personajes, bizarrías… y todo ello sin dejar de lado lo más esencial: las canciones. Porque tan fundamental es llevar ese espectáculo visual a las tablas como tener la seguridad de estar representando un buen cargamento musical, y pocos son los artistas que poseen esta conjunción artística de tanta calidad como la del que nos ocupa.

En sus primeros años A. Cooper estuvo respaldado por una banda inolvidable, la original Alice Cooper Group (Michael Bruce, Glen Buxton, Neal Smith y Dennis Dunaway), con la cual forjó su leyenda a partir de una serie de clásicos inmortales tales como ‘Killer’, ‘Love It To Death’, ‘School’s Out’, ‘Billion Dollar Babies’ y ‘Muscle of Love’, discos plagados de ambientes mórbidos, paranoicos, tenebrosos, abyectos y de lo más esencial: puro rock n’ roll. De entre ellos destaca “Billion Dollar Babies”, hasta la fecha el álbum más sobresaliente de Alice Cooper. Publicado en 1973, supuso el estallido comercial de la banda, siendo considerado un punto y a parte en la historia del rock (merced a temas emblemáticos como ‘No More Mr. Nice Guy’, ‘Elected’ o ‘I love the Dead’). A partir de ahí la banda se disolvería y el artista emprendería carrera en solitario, aumentando en esta nueva etapa el clima de fascinación teatral de su obra con la magnífica temática conceptual de ‘Welcome to my nightmare’ (en Inglaterra algunos de sus números escénicos fueron prohibidos por la Cámara de los Comunes a petición de un diputado). En esta época el Glam era el movimiento rock del momento. Alice Cooper, David Bowie, Kiss o Slade eran algunos de los grandes representantes del género pero la gran rivalidad de aquel momento radicaba entre Bowie y Cooper. Aún recuerdo el recorte de un artículo de prensa que guardaba un hermano mayor ausente y que afirmaba: “Alice Cooper y David Bowie son solo teatro”. Treinta años después el ‘teatro’ de Alice y David sigue funcionando. Y en el caso de Alice Cooper, éste nos sigue contando historias llenas de fantasía perdido entre la locura y el alcohol de su perverso personaje, hundiéndose en abismos de oscuridad y extrañeza onírica.

Hacia los ’80 se presentó ante las nuevas generaciones del rock que le idolatraban con más energía que todos ellos haciendo un hard más potente y directo (‘Constrictor’, ‘Raise Your Fist And Yell’), reventaría los charts con un disco al que su descarada comercialidad no restaba grandeza (‘Trash’), y entraría en los ’90, años de música conceptual y desgarrado sonido industrial, como maestro absoluto de muchas generaciones del rock empezando por Marilyn Manson, alumno aventajado que le quitó el puesto en cuanto a rey del shock rock. Sin embargo a Cooper no hay quien lo detenga. En el nuevo milenio ha publicado 5 álbumes de estudio (‘Brutal Planet’, ‘Dragontown’, ‘The Eyes of Alice Cooper’, ‘Dirty Diamonds’ y ‘Along Came A Spider’), dando bandazos entre el heavy metal o el rock industrial para regresar al sonido que le hizo tan característico: el hard rock de sus inicios. Y con él una nueva motivación para volver a la carretera e ir llevando a diferentes ciudades del mundo su galería de los horrores y sus inquietantes creaciones visuales. Ha vuelto la magia del sonido de los setenta con esa atemporalidad sonora que envuelve piezas de emoción punzante (a pesar de los coqueteos más comerciales con Slash y ese single llamado ‘Baby can’t drive’).

Para los que quieran ir preparados a este concierto de un halloween tardío, nada como recomendar un dvd de reciente publicación con una de las últimas y mejores actuaciones de Cooper: “Theatre Of Death – Live At Hammersmith 2009”, en la que se podrá observar cuál es el espíritu de este gira que está consiguiendo colgar el cartel de completo en la mayoría de los locales donde se representa. Y es que a sus casi 60 años, Alice Cooper es ya toda una leyenda viva que se mantiene en plena forma con mucha magia y espectáculo por ofrecer. A los que peregrinen a Compostela a contemplar al maestro en fantasmagorías no les defraudará contemplar con las retinas a uno de los artistas más creativos y revolucionarios de todos los tiempos. Y su circo de entretenimiento visceral y tenebroso.

Alice Cooper. Multiusos Fontes Do Sar. Santiago de Compostela. 27 de noviembre. Entradas a partir de 30€

Acertijo de dandy

2010-10-10T11:40:00.002+02:00

Publicado originalmente en el diario ABC, edición en papel y digital

Y Sabina volvió a pisar Compostela. Ante un público totalmente entregado, demostró durante casi tres horas de concierto cómo ha renacido a partir de una costilla

A la hora en punto nos dieron las diez. En ese momento más de 9000 personas sabían que la figura del golfo largo y astroso no tardaría en hacer acto de presencia. Y así fue; las aves de paso aparecieron ante el clamor eufórico de un público totalmente entregado al poeta. Pantalones verdes, americana y camiseta negras (con una interrogante blanca destacando en el pecho roto) y el ya clásico bombín a su cabeza pegado; con esta estética de villano de Batman arrancó el concierto con su "Tiramisú de Limón" y "Viudita de Clicquot", nuevos viejos clásicos de su último trabajo que todo el estadio coreó bajo una lluvia de luces de colores. El espectáculo luminoso entreabría la puerta a una banda de rockeros que rasgaron todo tipo de guitarras eléctricas y acústicas para enmarcar la poesía de Joaquín. Entre ellos, un Pancho Varona exultante no dejó de lucir una corbata de John Lennon, mientras que Mara Barros (“amazona sin un gramo de silicona”) robaba miradas hacia el relicario de su escote. Y mientras, Sabina. Caminando y tambaleándose de manera teatral bajo la línea luminosa, recitaba todos sus versos satánicos y cristianos al compás canalla de la música: desde "Medias Negras", "Aves de Paso", "Peor para el sol" o "Siete crisantemos" hasta "Una canción para Magdalena", "Cerrado por derribo", "Calle Melancolía" y "Contigo", pasando por "19 días y 500 noches", "Princesa", "Vinagre y Rosas", "Noches de Boda", "Y nos dieron las diez" y "La del pirata cojo". Himnos que la multitud cantaba sin titubeos: desde chicos de no más de 16 años hasta gente de cuarentaydiez; un murmullo de voces que hizo de coro durante las casi tres horas de concierto. Soberbias interpretaciones las de la banda con un punto rockero muy cañero (“somos los Metallica” voceaba Varona con cierta gracia mareante), e igual de soberbias las canciones que tocaron huérfanos de ‘frontman’: "Conductores suicidas", "Amor se llama el juego", "Llueve sobre mojado" y "Como un dolor de muelas".
Entre canciones el cantautor disertó, divagó y conversó con el público. Con su cierta voz cavernosa disculpó la fallida cita de dos años atrás en el Obradoiro con Serrat, y narró cómo buscando un libro de Celso Emilio Ferreiro se rompió su costilla de cristal de bohemia. Con su media barba estremecida agradecía los aplausos espontáneos de los peces de la ciudad compostelana; con los ojos de un vidriado triste y emocionado de alcohol y satisfacción acompañaba unas palabras de agradecimiento a los asistentes, mientras aseguraba ser el de anoche uno de los mejores conciertos que recordaba. Con la expresión altanera y alocada, ciertamente bufonesca, aseguraba haber recibido mensajes donde le informaban que Fran estaba enamorado de Arancha y no de Belén Esteban, para posteriormente responderle a un espontáneo que le llamó filósofo si le estaba comparando con Guardiola. Con todo, el magnetismo de este ídolo embalsamó la noche en Compostela; se despidió hablando a media voz pero su asfalto sonoro lo llevará a Lugo para celebrar el San Froilán. Perfectas sonatas de otoño para estas ciudades gallegas.

Diario ABC -Artes y Letras- DE LOBEZNOS Y STRATOS (25-09-2010)

2010-09-26T16:19:00.003+02:00

“Dime, ¿cuánto tiempo te podías llegar a pasar mirando este cromo?... ¿Te acuerdas?... ¿Y éste?... ¿Y ésta orla?... ¿Y esta página?---¡Años, siglos… toda una mañana! Imposible saberlos, estabas en plena fuga… éxtasis… colgado en plena pausa… ¡Arrebatado!” Solo una secuencia necesita el personaje de Pedro P (Arrebato) para resumir todo un estado emocional común a cualquiera de nosotros: esa catarsis provocada por el recuerdo de algo ideal, lo cual nos crea un instante perfecto. Este paréntesis en la realidad lo acabo de experimentar hace poco tras la relectura de STRATOS (Miguelanxo Prado), recientemente publicado en normativizado gallego por El Patito Editorial. Muchos tal vez recuerden estas historias del creador coruñés por aparecer publicadas folletinescamente en la añorada revista ZONA84, compartiendo páginas con el Torpedo de Bernet y Abulí o la Druuna de Serpieri. Ese fue al menos mi acercamiento a estas historias de un futuro pasado cuando siendo niño y a escondidas cogía de la librería de mis padres esas revistas de cómics y me evadía buscando dibujos espectaculares o historias más fuertes que las publicadas en Don Mickey. Había grandes historias de autores extranjeros, sin embargo la obra de Prado tenía un algo que la hacía destacar por encima de las demás historias; la fuerza de sus páginas creadas a partir de plumilla con infinitos trazos que cargan las viñetas de detallismo eran/son asombrosas, cautivando aún hoy en día a todo aquel que se acerca a esta historia de ciencia-ficción. Es el dibujo, en riguroso blanco y negro, lo que destaca en esta obra formada a partir de la suma de sus siete partes. Un dibujo alejado del que haría gala después en obras como Trazo de tiza, pero que le permite transmitir con intensidad y estilo toda esa deshumanización nihilista que impregna las 58 páginas de Stratos. El discurso, que releído hoy en día puede resultar terriblemente profético, presenta a una sociedad vendida al consumismo hiperbólico, a la corrupción y a la perversión mecanizante que deriva en soledad y carencia de afectos. El carnaval de sombras y luces que nos muestra el autor retrata los claramente delimitados estratos sociales de ese mundo futurista o futurible, que funciona como espejo cóncavo del nuestro (aunque la deformidad de ese reflejo tal vez empieza a invertirse) y tiene en una variedad de personajes heterogénea el recurso discursivo necesario para pintar toda esa destructiva naturaleza humana, regida por la corrupción, la inmoralidad, el racismo, la avaricia, la falta de escrúpulos o la voluntad de poder; desde el más bajo proletario hasta el mayor dirigente de la economía mundial arrastran sus miserias y hacen metáfora de la realidad social en forma de reflexión de la decadencia capitalista.
Otra de las recientes novedades de El Patito Editorial lleva el sello de uno de los autores fetiche de quien escribe estas líneas: Das Pastoras, genial ilustrador gallego que acaba de ver cómo su obra más reciente con la editorial americana MARVEL ha sido publicado en lengua gallega. LOBEZNO, uno de los personajes más carismáticos de la “Casa de las Ideas” es el protagonista de estas dos historias reunidas en un solo tomo. Las escenas que se inyectan en los ojos del lector son espectaculares, con un dibujo sorprendente y con un aún mejor acierto con los colores y la captura de la luz. Los volúmenes, las texturas, la plasmación del movimiento y las descripciones de los espacios son maravillosas, recordando en ocasiones al genio de Corben, Bisley, Toppi o a Moebius. Ver a un autor de este calibre es una de las pocas razones por las que soy capaz de leer una obra de este personaje, y el guión de este volumen es una de esas razones que me recuerdan por qué suelo evitar pagar por estas historias: tópicos indiscriminados que se apelmazan en historias autoconclusivas de 22 páginas. La primera de las historias, “Curva Peligrosa” está escrita por Joseph L. Clark, quien narra con más pena que gloria una aventura del superhéroe situada en un pequeño pueblo de la América profunda a la que Logan accede a través de una carretera perdida y en la que investigará varios crímenes sin resolver con el mismo denominador común: una curva. La segunda historia, firmada por Víctor Gischler discurre en una casa de apuestas de ruleta rusa. Frente a esta vacuidad de ideas argumentales buena es la opulencia gráfica del dibujante gallego, capaz de sacar adelante estas páginas por sí solo, luciéndose ante la brevedad de las historias. A su calidad de narrador gráfico se une su arte a la hora de recrear escenas de acción a través de su trazo y color de acuarela, una técnica con encanto que ya se empezaba a extrañar en los cómics superheroicos (más orientados al empleo del photoshop). Sin duda es una obra altamente recomendable aunque sólo sea por el placer visual que supone cada una de las viñetas de Das Pastoras que visten argumentos ajenos.

SUAVE ES LA NOCHE

2010-09-20T00:40:00.003+02:00

Publicado originalmente en el diario ABC en su versión digital y en prensa escrita

29 Años, 9 Meses y 1 Día después volvieron Los Suaves a Ourense. "Y parece que aún fue ayer". Recién condecorados con la Medalla de Oro de la ciudad, salieron al escenario (con su clásica y ya famosa música de introducción), preparado en el Recinto Expourense para rememorar estos 30 años de rock'n'roll, y como era de esperar, la ovación con la que fueron recibidos fue sobrecogedora. Este grupo que ya es una leyenda y un nombre de los grandes de verdad de la historia del rock volvió a demostrar quiénes son y por qué están donde están. Siguen teniendo un poder de convocatoria enorme (se fletaron autobuses de distintas ciudades españolas para ver este espectáculo que tenía como premisa la grabación de un nuevo cd y dvd al más puro estilo "¿Hay alguien ahí?"), congregando a cerca de 10.000 fans en la ciudad de las Burgas.
Después de las dos horas y media de concierto que ofrecieron queda una cosa clara: siguen transmitiendo emoción y sentimientos en todas sus actuaciones y cada concierto que dan es un evento rockero de primera magnitud. "Preparado para el Rock'n'Roll", a un ritmo vertiginoso y con la banda eufórica, fue el tema con el que se abrió este espectáculo, para seguir después con un set lleno de los grandes éxitos y de los temas de su último trabajo que fueron coreados casi sin concesiones por parte de un público muy entregado con Yosi. Aunque hay que reconocer que, junto al carisma del cantante, el enorme trabajo a las guitarras tanto de Alberto Cereijo como de Fernando dan una gran cohesión a la banda a pesar de las locuras y extravagancias del líder del grupo, quien supo poner los pelos de punta con la interpretación de temas como "Pardao", "El Afilador", "Luis y su mujer", "Palabras para Julia", "Ourense-Bosnia", "Malas Noticias" o "Maldita sea mi Suerte". Y como no puede ser de otra manera, arrebatador el "Dolores se llamaba Lola". ¿Puede haber un sólo concierto de Los suaves en el que este tema no sea una verdadera fiesta?
Pirotecnia, un gran juego de luces y una pantalla de vídeo que mostraba distintas imágenes del logo del grupo (la evolución del gato) o de sus portadas sirvieron como acompañamiento a este repaso de los grandes éxitos de la banda del gato negro que resultó sencillamente magistral.

MUSE se hace "supermassivo" en Santiago. ABC, 28-VIII-2010

2010-08-28T17:48:00.002+02:00

http://www.abc.es/20100828/local-galicia/supermasivo-concierto-muse-santiago-201008280928.html

Verdaderamente sensacional. Esa fue la impresión generalizada de los más de 25.000 espectadores que se dieron cita anoche para ver a la banda de Bellamy en lo alto del Monte do Gozo. Muse demostraron por qué las entradas se agotaron cuando todavía sólo ellos estaban confirmados en este festival Xacobeo ’10: son una banda que suena mejor en directo de lo que ya lo hacen en las grabaciones de estudio, y ayer se pudo confirmar este hecho durante la escasa hora y media exacta que duró el directo.
Un espectáculo arrollador y sin concesiones que comenzó a las 22:30 ante los gritos enloquecedores de la multitud al ver salir a Matt Bellamy, Dominic Howard y Christopher Wolstenholme. El grupo inglés arrancó su actuación con ganas, sonando muy fuerte; el iniciático “New Born” sonó atronador con una batería que mostraba la fiereza y brutalidad propia de ese rock que tantos se empeñan algunos en decir que está muerto y con una guitarra muy alta que en ocasiones fue capaz de tapar la percusión y voz de los temas. Para este arranque el escenario hizo gala de un gran despliegue de medios luminotécnicos, con multitud de juegos de luces, láseres verdes que inundaban el anfiteatro, paneles hexagonales y sendas pantallas de vídeo que ofrecían juegos visuales del grupo y las letras del estribillo a modo de himno.
Lejos de hacer un concierto autocomplaciente, Muse se ciñó al escaso tiempo de actuación y ofrecieron todos sus grandes éxitos sin apenas hacer concesiones al público (Bellamy dio un saludo a la ciudad compostelana al finalizar la segunda canción y después todo fueron secuencias prácticamente encadenadas de riffs y estridencias sonoras): himnos como “Plug in Baby”, “Uprising”, “Hysteria”, “Resistance”, “Map of the problematiqué” o “Knights of Cydonia” sonaron arrolladores y el público lo agradeció con grandes ovaciones y cánticos corales que ocultaban en más de una ocasión la voz del cantante, quien en algunas partes del evento me recordó sobremanera a Freddie Mercury, no tanto en la puesta en escena (más bien glam al estilo Bowie y su extraterrestre Stardust) sino por esa potente voz capaz de alcanzar unos registros altísimos.
Fascinante fueron también las ráfagas ametralladoras salidas de los bombos y platillos de Dominic Howard, un batería que bien podría tocar con cualquier vaca sagrada del Heavy Metal y dar una lección de lo que es intensidad y contundencia. La devastadora orgía de sonido increscendo de Muse dejó un par de momentos lentos, ralentizados con melodías de piano tocado por el propio Bellamy (al estilo Axl Rose) o con canciones de corte electrónica que me dieron la impresión de que fue un error tocarlas.
La noche sirvió también para ver un gran despliegue instrumental, desde los cuatro bajos que lució y Christopher Wolstenholme hasta la guitarra de doble mástil que rasgueó Bellamy, pasando por el piano, la batería eléctrica o la guitarra-teclado de Morgan Nicholls (normalmente arrinconado en el escenario con sus samplers y teclados). En síntesis la noche supuso una auténtica “hysteria” colectiva y todo un triunfo de Muse, que han estado a la altura de las circunstancias en este Xacobeo a pesar de que el cartel de esta edición era manifiestamente mejorable

Diario ABC -Artes y Letras- SOLOMON KANE VISTE DE RUBÍN (26-06-2010)

2010-06-27T11:36:00.006+02:00

Entre las figuras y los carteles del escaparate sobresalía un libro de cubiertas rojas. Era uno de esos volúmenes que ahora con más frecuencia empiezan a salpicar las librerías de cómics: literatura clásica adornada con la narración gráfica de ilustradores patrios. Algo que lleva tiempo haciendo por ejemplo la editorial Zorro Rojo con gran acierto y que ahora tiene en la editorial Astiberri un nuevo competidor en este nicho de mercado. Aquella tarde un sol casi pecaminoso iluminaba la última novedad de esta colección, mostrándola casi como una reliquia entregada a la voracidad de los fans de David Rubín (sólo con leer el apellido de este ilustrador ourensano ya se le hace a uno la boca agua y provoca el irremediable deseo de saborear las páginas interiores).

El volumen contiene en 290 páginas todo el universo literario de Solomon Kane, personaje creado por Robert E.Howard (también creador de uno de los más recordados héroes de la banda diseñada: Conan el bárbaro) en los albores de 1928, bajo el influjo de los universos de la fantasía y el terror en la más pura tradición de Poe o Lovecraft. Los 8 relatos de aventuras de Kane aparecieron publicados en revistas Pulp de la época como Amazing Stories o Weird Tales, donde se narraban los viajes de este antihéroe a través de la Europa y África del siglo XVI en busca de cierta superación personal al enfrentarse con adversidades sobrenaturales. Este peregrino puritano inglés, solitario y violento espadachín deambula por un mundo finito en el que vivirá aventuras que se enmarcan dentro de los géneros del folletín, el histórico, el terror.... Todas ellas presentadas íntegramente a partir de las versiones originales del autor y no con las variaciones póstumas que sufrieron, lo cual es de agradecer.

Consiguió Rubín que se hiciera muy visualizante cada punto estratégico de los cuentos con su estilo sencillo y fluido. Jugando con la aparente sencillez del empleo del blanco y negro y cierta escala de grises, transporta al lector a un deleite visual de 42 ilustraciones con alma recluidas en intervalos a menudo regulares de dos páginas. Su versión de los personajes y de los espacios narrados ponen un poco de surrealismo en esta época de devastadora realidad y demuestran la evolución del dibujante que mejora su estilo volviendo a sus orígenes: el blanco y negro. Me gusta esa reminiscencia a Jack Kirby que desprenden los diseños, la agresividad velada del empleo de las tintas negras, la lograda gesticulación del protagonista y el dinamismo de cada escena retratada, las composiciones... Una excelencia gráfica que se entiende no sólo por la calidad del artista sino por la propia situación de la encomienda que se le hizo a la hora de trabajar en este proyecto: “Normalmente en tu trabajo como ilustrador te limitas a llevar a imágenes textos o ideas que previamente te encomiendan, el que el ilustrador elija el texto que quiere ilustrar es algo casi inaudito, de ahí mi sorpresa al recibir el encargo, y mi alegría.”, y que al final transmite la sensación de que Rubín vacía toda la narratividad de las historias y la transporta a sus elocuentes imágenes, regalando al lector esta suerte de edición definitiva de los cuentos de Salomon Kane.

Diario ABC -Artes y Letras- MANCHAS NEGRAS COMO VIDAS (26-06-2010)

2010-06-27T11:19:00.007+02:00

Entre los diluvios bíblicos de estos días y las imágenes de villas viciosas asturianas convertidas en lagunas venecianas le eché el ojo a esta obra de Mariano Casas. Obra recomendada hace un par de meses por uno de los libreros a los que siempre hay que tener como voz consejera en materia literaria. La dimensión de un librero también se mide por esas singulares recomendaciones que siempre dan en el clavo. ¡Qué facilidad tienen para excitar al lector con la lujuria de la banda diseñada! Al final dependerá de los gustos de cada uno, pero en general las buenas historias son fáciles de acomodarse en las bibliotecas privadas, y esta Mancha Negra de Mariano Casas (“hartista” compostelano) tiene un lugar en estos almacenes literarios.

Cuenta más de lo que cuenta ya la propia portada, en la que se puede ver una mancha negra de pintura sobre un fondo blanco. Esta ambigüedad simbólica y léxica sirve de preámbulo a un rosario de historias cortas (que no historietas) en adecuación cromática a las cubiertas del libro: blanco y negro con matices de sombras grises. Una negra sombra rosaliana que tiene en el prefacio una explicación por parte del autor del significado de esta mancha: desde la génesis en una ecografía hasta un poco de chapapote en la costa gallega, pasando por la metafórica imagen de la crisis o la amenazante señal pirata que se otorgaba a una víctima. Una misteriosa introducción que estiliza las ocho historias a las que acompaña: “Génesis”, “Héroes”, “Éxodo”, “Lamentaciones”, “Deuteronomio”, “Apocalipsis”, “Pasión” y “Resurrección”, títulos que van a dar al bíblico inconsciente universal y que recogen ocho capítulos de la vida de Jaime, un protagonista un poco distante e hierático.

Ahí están las ocho partes de esta obra fragmentada pero en cierta manera lineal (a pesar de la artillería discursiva y estilística que coquetea constantemente con los juegos metonímicos y metalépticos) que nos llevan desde a un nacimiento onírico (y en cierta manera objeto de un nudo en una cinta de Moebius) a un encuentro con superhéroes icónicos completamente absurdo, sin olvidar el fragmento del “Apocalipsis” que tiene un algo de aquel “Vals con Bashir” o la beckettiana/lyncheana “Pasión”, donde el protagonista encuentra tras unas paredes una veintena de muertos (bien conservados) dispuestos en veinte sillas y que cobran vida en la mente de Jaime. Sin embargo las mejores acciones y emociones están recogidas en “Lamentaciones”, en la que a través de superposiciones narrativas e hipérboles se bosqueja una particular ruptura de una pareja, simbolizando la represión de los sentimientos en las miradas de la pareja que observa, atónita y nerviosa, una película que retrata sus pensamientos más ocultos.

El dibujo de Mariano Casas, poco habitual en el mundo del comic y más próximo al de la pintura, no juega con estridencias ni preciosismos; no muestra detalles ni es hiperrealista y en ocasiones siquiera es equilibrado. Las pinceladas abiertas y sueltas del autor son, centímetro a centímetro, pureza de narración; gestualidad a través de lo sintético y en ocasiones pueril. Una pérdida de la verosimilitud que sirve para hiperbolizar los recursos conceptuales de Casas. Esta búsqueda de la mínima expresión da como resultado un estilo casi iconográfico (pero más natural que el ya visto en “Mensajes”, anterior obra del autor) y a la vez un juego visual de significantes y significados (el crucero convertido en lasaña en la historia “Éxodo”) que recuerdan en ocasiones a la exitosa fórmula de la “Ciudad de Cristal” de Mazzucchelli o al “Cages” de Mckean, salvando las distancias.

Poster Feria del Libro Antiguo y de Ocasión Galicia 2010

2010-06-08T09:00:00.005+02:00

La imagen que da título y que acompaña a este post es la que se podrá ver por las calles de Santiago, Coruña, Lugo y Vigo durante este verano con motivo de la Feria del Libro Antiguo y de Ocasión. Espero que os guste.

Diario ABC - PORTADA Artes y Letras + Panegírico a Fernando Fernán-Gómez (27-03-2010)

2010-03-27T19:40:00.005+01:00

portada del Artes y Letras

Panegírico a Fernando Fernán-Gómez

Un viaje a alguna parte

La sonata de invierno llega a su fin y con ella empiezan a verse doradas brisas matinales, suspiros de escote y pantalón corto y florecidas arboledas. En medio de esta ciclogénesis un tanto explosiva estuvo estos días por Compostela la memoria de uno de esos cráneos privilegiados de la cultura española; uno de esos artistas como los que parece que ya no hacen falta. Fernando Fernán-Gómez fue un creador multidisciplinar al que sólo le faltó en vida inventar el color de las vocales. José Luis Castro de Paz, profesor en Comunicación Audiovisual de la USC firma el panegírico de reciente publicación en la editorial Cátedra sobre este singular artista, una monografía de 375 páginas que recoge a través de 8 capítulos los gozos y las sombras de este polifacético artista centrándose en su posición como director, desde sus inicios con proyectos frustrados hasta sus éxitos que le elevaron a la atalaya de la RAE, desde su iniciático Manicomio (1953) hasta su Viaje a ninguna parte (1986).

Este hierofante del cine español que descansa en paz en los reproductores de DVD y las memorias USB de miles de cinéfilos tiene la lacra de haber sido trivializado por la ignorancia y el chascarrillo barato de nuestro país. A la falta de pensamiento crítico de la juventud del siglo XXI se une el gusto por el sainete de escarnio en forma de vídeo de youtube, y cuando el usuario interesado busca a Fernando Fernán-Gómez en esa red de sexo, mentiras y cintas de vídeo, se encuentra con que lo más visitado y valorado por el público son aquellos cortes en los que el cineasta manda a la mierda a un seguidor con tono colérico o aquel grito al viento con su eterno “¡No lo sé!”. Lejos quedan los extractos de sus comedias de fina ironía, humor negro o algunas escenas de su eterna versión de La Venganza de don Mendo”, en la que dirige y protagoniza esta parodia clásica en tres actos.

Pero lejos de estas consideraciones que pueden parecer demagógicas, lo cierto es que aún revolotea en nuestro país el eco de este artista impredecible (y no me refiero a su voz en off en un anuncio televisivo sobre fútbol). De marcados referentes literarios, el texto analítico que propone José Luís Castro sortea todos los extrarradios vacuos y se centra en la opulencia del corpus creativo de este hombre tan genuino. El estudio, que se antoja un trabajo ciclópeo en el que el autor (creador de otras monografías como la fundamental sobre Alfred Hitchcock también publicada por Cátedra en el 2000) rastrea y fundamenta toda la producción fílmica de Fernán-Gómez a través de las tradiciones culturales y el gusto por experimentar con lo clásico, dando así una suerte de filmografía heterodoxa entre las que se cuentan obras maestras del cine español (El extraño viaje, Viaje a ninguna parte, El mundo sigue) bajo una vieja mirada esperpéntica que los modernos de hoy en día han preferido dejar de lado en las nuevas corrientes del cine hispánico. Pero como bien señala Castro de Paz, “puede postularse como nuclear e hipotético punto de partida que en el cine dirigido por Fernando Fernán-Gómez se funden de manera única y peculiar todos y cada uno de los elementos que singularizan históricamente nuestro cinema”.

El encomio a la carrera de Fernando Fernán-Gómez que ha escrito el catedrático de la USC es la punta del iceberg de un estudio pormenorizado que viene de unos años atrás, en los que José Luís Castro comenzó una serie de ponencias por universidades españolas que versaban sobre “hachazos formales o la crispación de la mirada en el cine popular de Fernando Fernán-Gómez” o “El cine costumbrista y radical de Fernando Fernán Gómez”, todas ellas con la cómica intención de realizar un “cardado en el pelo de la dehesa” y que han acabado por presentarse al público mayoritario en formato libro. El análisis de las películas está escrito con un acertado estilo semiótico; el lenguaje del autor se encarga de provocar imágenes que entran por los ojos o que, en su defecto, nos recuerdan imágenes que hay que releer o rever.

La monografía póstuma a este cineasta que tiene quien le escriba subraya la idea antes expuesta: Fernando Fernán-Gómez es la semilla del cine español a pesar de no haber gozado con el beneplácito único, grande y libre del régimen en sus inicios. El análisis exhaustivo del catedrático de la USC nos pinta a un actor a una nariz pegado que comenzó en el mundo de la dirección con fracasos, cine comprometido y adaptaciones cinematográficas de textos cómicos (de Mihura o Pedro Muñoz Seca entre otros) en las que se destila una progresiva evolución reflexiva, crispada y crítica que desembocan en un cine esperpéntico y costumbrista que tiene su punto de inflexión en El mundo sigue (1963) y El extraño viaje (1964). La disertación continúa por los años oscuros del realizador y sus inicios en televisión que convergen en 1986 en la creación de El viaje a ninguna parte, obra de la que más satisfecho se sintió el director y de la que acertadamente señala José Luís Castro es “resumen de su obra anterior y compendio y cierre asimismo de algunas de las vetas creativas más fértiles de nuestro cinema ”.

Desde luego se hace muy oportuna esta biografía de una de las muchas caras del poliedro artístico que conforma Fernán-Gómez. Ahora que empiezan a desaparecer de nuestro ecosistema artístico las últimas viejas glorias de antaño (José Luís López Vázquez, Miguel Delibes) es hora de empezar a rendir tributo a esas carreras tan complejas y bien cultivadas haciendo gala de cierta melancolía, que como decía Víctor Hugo, no deja de ser el placer de estar triste. Y nada más placentero para lamentar la pérdida de estos genios que conociéndolos a fondo entre lo divino y lo humano.

Decía Oscar Wilde, que para todo siempre ha tenido algo acertado que decir, que desde el punto de vista del sentimiento, la profesión de actor es el modelo de todas las artes. Tomemos pues como modelo a este artista de poderosa voz y profunda presencia y dejémoslo que siga siendo el sensible cronista de aquella posguerra con sus cintas esperpénticas y tragicómicas. Un hombre libre e irreverente al que José Luís Castro le ha rendido un silencioso y profundo homenaje al pié de su callada sepultura.

RUXE RUXE SEÑOR KALASHNIKOV

2010-03-07T14:38:00.009+01:00

No momento en que escribo estas liñas inda estou baixo o feitizo da noite anterior. Soa o teléfono e volvo escoitar, despois de moitos anos, a voz dun compañeiro universitario. Dime que estivo onte no concerto dos RUXE-RUXE e que o sair cos amigos tralo espectáculo quitoulle o precinto ao novo CD do grupo, "Na Fura de Diante", e viu alí un debuxo meu naquel libreto. O mesmo aconteceu con algúns outros coñecidos meus que me mandaron mensaxes polo facebook. Non nos atoparamos no concerto pero eles atoparan restos meus naquel disco.

Nos concertos non canto moito e tampouco bailo. Cando vou, é para me deixar mexer polas voces, polos instrumentos, polo fume, pola posta en escea, as luces, os coros, as fantasías, os amigos/-as... paso desapercibido e disfruto do que ofrecen os artistas no escenario. Onte era doado non chamar a atención con aquela sala de concertos petada. O fato de xente que houbo rendendo amizade, gosto e agradecemento aos RUXE-RUXE vibraba cos acordes e cos sons que encheron de cores as dúas horas de estadía no Capitol. Todo se douraba de irrealidade coas persoas debuxadas baixo esas luces frenéticas. A maxia do rock, disque. As cancións que soaron na pasada noite compostelá e o xeito enfervorecido de entonalas por parte dos que estaban congregados alá redundan a idea de que este grupo xa hai un tempo que tiña que ser considerado de culto. Seica poden resultar pouco obxectivas as miñas verbas dada a amizade que me une a este grupo, pero pódeselle engadir á miña subxectividade ó poder feiticeiro da música dos Ruxe, con esa facilidade evocadora da cultura do país, ou a esas letras sociais na máis pura tradición dos vellos literatos en lingua galega, dándolle contido emocional ás palabras cando falan de identidade...

O caso é que cando se puxeron en contacto comigo para lles facer unhas ilustracións para o novo disco, non podía negarme. Déronme a maqueta do novo disco e vía libre para debuxar o que quixera.

E así naceu a miña visión do Señor Kalashnikov.

Petando no meu Ipod pasei uns dias escoitando este traballo, afacéndome a él, ata que por fín un día descubrinme facendo un boceto mentres escoitaba unha canción que se estaba a repetir no aparato.

"Vou acabar co mundo, rematarei con el,
destruireino todo... de contado.
E non teñades medo á hora de morrer,
rezade de xeonllos contra a vosa parede!
... Porque eu son o señor Kalashnikov...
Axustarei as contas, eu serei a xustiza
atoparei culpabeis co meu punto de mira
E apuntarei en firme, non dubidarei,
eu son escollido... a derradeira lei.
... Porque eu son o señor Kalashnikov...
Eu son o Mesías, eu son o salvador,
das ialmas devotas serei o redentor.
Refarei o mundo, serei o creador,
adorade todos... ao voso novo señor..."

De alí a un chisco xa estaba na casa entintando a ilustración e dandolle color:

Engadindo tramas a tinta:

O derradeiro paso: darlle cor

Un mes antes da saída do disco á venta, xa me mandaran o resultado final coa maquetación do libreto feita por Xulio:

Parabéns ós Ruxe Ruxe polo novo disco e infinitas grazas polas dúas horas de festa rachada de onte e por todo o demáis...

Diario ABC -Artes y Letras- ASCENSOR DEL SÉPTIMO AL NOVENO ARTE (27-02-2010)

2010-02-28T21:26:00.005+01:00

En esta época de alfombras rojas y verdes, ostentosos premios y galas de vino y rosas, parece adecuado recordar que la cultura gallega en temas de celuloide también está en las alturas (no sé si en las del Olimpo de los Dioses o en las del monte Gaiás), idea que se redunda con los recientes premios otorgados por la Academia a Celda 211, galardones alcanzados por nuestro cine que nos sitúan en una cima cuanto menos vertiginosa. Está claro que lo más llamativo de esta cumbre poco borrascosa es haberla alcanzado sin necesidad de recurrir a episodios regionales de nuestro día a día para vender mejor la creatividad gallega; las aventuras galdosianas de alcaldes y bancas y conselleiros y posguerras y miserias y tiro porque me toca son buenas novelas de folletín para el que las quiera, pero las historias de verdad, las ficciones que atraen a una masa que busca entretenimiento y evasión en un pase de 6€ mínimo, son las que persuasivamente salen de los cráneos privilegiados de nuestros creadores, ajenos a las duchas frías de la realidad. Resulta pues gratificante este reconocimiento institucional de las ficciones y sueños nacidos en Galicia, que se suma al éxito conseguido en los últimos años por el cine de animación que también cosechó grandes premios con obras como El bosque animado (2001), P3k: Pinochio 3000 (2004) o Pérez, el ratoncito de tus sueños (2007). Sin embargo la cuenta pendiente que tiene la animación gallega es el trasvase de narraciones del noveno arte a la gran pantalla, deuda que en los próximos tiempos se saldará con adaptaciones de las más importantes obras del mundo del cómic: “Trazo de Tiza” (Miguelanxo Prado) y “Arrugas” (Paco Roca), la primera una novela gráfica gallega que dará el salto al cine convencional de carne y hueso de la mano de los realizadores David y Álex Pastor mientras que la segunda obra será adaptada por la productora gallega Perro Verde Films, siendo Ignancio Ferraras y Ángel de la Cruz los encargados de llevar la dirección de esta película animada.

Señala Ferraras que “que te pidan adaptar al cine de animación una obra como Arrugas es una de esas oportunidades únicas con las que uno casi no se atreve ni a soñar”; sentimiento que en su día debió de compartir Vincent Paronnaud cuando se le ofreció la versión animada de ese tesoro de la novela gráfica llamado “Persépolis” (de la iraní Marjane Satrapi). Hay cómics en los que daría gusto vivir o por lo menos dejarse llevar por el ensoñador hechizo de la historia bien narrada, y si en la cuna del cómic europeo eligieron una de las obras capitales del noveno arte (con la lacra de la mala difusión que semejante clásico del cómic tuvo en las salas de nuestro país), nosotros no íbamos a ser menos que los vecinos de arriba y elegimos una obra ganadora del premio nacional del cómic en 2008 y otra considerada una de las mejores creaciones del mundo de la viñeta en nuestra lengua y ganadora de grandes premios en 1994. Es cierto que esta noticia convulsionará al universo del cómic entendido como los lectores habitualmente desencantados con las adaptaciones de los tebeos al cine (Watchmen, the Spirit, Daredevil, Catwoman o Hulk son algunas de las más criticadas versiones fílmicas que no han conquistado a los más acérrimos fans), pero por otro lado también es cierto que esta noticia tendrá, como diría Faulkner, el magnetismo de la vieja tragedia con forma nueva.

Pero antes de que empiecen los rodajes de ambas películas aparecerá un nuevo punto de inflexión en lo que a cine y cómic se refiere; una delgada línea que será traspasada con la aparición del primer “iMotion Comic” para iPhone e iPod Touch, esto es, un tebeo que estará secuenciado con sonido y animación para deleite de tecnofílicos del siglo XXI. La primera obra en nuestro país que se adaptará a este formato será “Quotidianía Delirante” del propio Miguelanxo Prado, y visto lo visto, si algo hay que agradecerle a esta crisis es la hartura de ideas tecnológicas y digitales que se está sacando de la chistera. Y entiéndase esta palabra en toda su dimensión semántica, ya que puede parecer de chiste que un cómic haya saltado a un formato de pantalla reducida en la que, lejos de convertirse siquiera en paginas digitales de un ebook (con toda la fobia que esa idea me suscita) lo haya hecho en una suerte de Frankenstein de la animación. Está por ver cómo funcionará tal invento, aunque a tenor de los vídeos vertidos en la web semeja que “Quotidianía Delirante” correrá una suerte parecida a “De Profundis”, preciosista película de animación para adultos creada también por Miguelanxo Prado que fue duramente criticada debido a la falta del ritmo narrativo que el séptimo arte requiere y a esa sensación de dibujos estáticos con contados movimientos.

Retomando el discurso de las dos novelas gráficas adaptadas al cine, destaca de la elección de tales tebeos el contenido literario y el entramado ficcional: ambos filmes narrarán la brutalidad de la vida y la soledad humana a través de la sugestión narrativa. La obra de Prado juega con la claustrofobia que provoca el espacio por el que transcurre una acción en apariencia mesurada: un islote perdido en alta mar por donde devienen las vidas de unos personajes misteriosamente contenidos: Raúl, Ana y Sara. “La isla es un puzzle en el que las piezas encajan por su forma, pero no componen la imagen lógica esperada”. Raúl llega desorientado a esa isla donde habitan dos mujeres, “una que espera y otra que no espera nada”, una de la que se enamora bajo el vuelo de las gaviotas, otra que regenta la única posada del arrecife. El entramado intertextual que ata la vida de estos personajes en una compleja cinta de möebius se enmarca dentro de juegos de estilo metonímicos que brillan por su calidad y que secundan un cierto temor ante la dificultad de que la empresa de trasvasar esta historia acabe en éxito.

Por su parte, “Arrugas” es una prosa triste que narra con cierta ternura y afecto la vida de Emilio, un anciano que comienza a sufrir la enfermedad del Alzheimer y que es llevado a una residencia para que pase allí sus últimos días de sueños, miedos y confusiones ("Si a una persona con problemas de memoria y de identidad la sacas de su entorno y la metes en un almacén de enfermos, la estás acabando de matar" diría Maragall en cierta entrevista). Lo que interesa de esta historia no es cómo está tratado el Alzheimer de Emilio, sino Emilio en sí mismo, un personaje que acaba creando adicción aunque tenga fecha de caducidad y el lector lo sepa. La dureza del leit motiv y la habilidad narrativa del autor valenciano encumbraron esta obra como la mejor del 2008 en nuestro país, una historieta intimista que no cae en la caricatura y que se sitúa al nivel de otras grandes del género como “Los Combates Cotidianos” de Larcenet.

Reinos que son y a la vez no son de este mundo. Maquinaciones de una cultura que abarca desde la verosimilitud al metafórico relato. Dos géneros ficcionales para llenar el vacío que hasta ahora tenía nuestro cine con las viñetas nacionales. Una deuda que tan fácilmente, como la mente del pobre Emilio, se va revoloteando con el olvido.

Pulp Fiction

2010-02-08T00:08:00.004+01:00

"De Ezequiel, 25-17: El camino del hombre recto está por todos lados rodeado por la avaricia de los egoístas y la tiranía de los hombres malos. Bendito sea aquel pastor que, en nombre de la caridad y de la buena voluntad, saque a los débiles del Valle de la Oscuridad. Porque ÉL es el verdadero guardián de su hermano y el descubridor de los niños perdidos. ¡Y os aseguro que vendré a castigar con gran venganza y furiosa cólera a aquellos que pretendan envenenar y destruir a mis hermanos!
¡Y TÚ SABRÁS QUE MI NOMBRE ES YAHVÉH, CUANDO MI VENGANZA CAIGA SOBRE TI!"

Diario ABC -Artes y Letras- Libros Infantiles (26-12-2009)

2009-12-26T19:20:00.003+01:00

Diario ABC, "La literatura ahora es cosa de niños", artículo de Patricia Abet.
Hubo una vez en la que los niños eran un poco raros porque leían. Ahora son la mayor fuente de ingresos de las editoriales.

Entrevista ABC: Xosé Barreiro "Pío", librería Komic (28-11-2009)

2009-11-28T18:00:00.006+01:00

(Entrevista completa)

Un día, al volver del colegio, un niño compostelano se detiene enfrente al escaparate de una tienda de tebeos en la esquina de San Pedro de Mezonzo y la calle de la Rosa. La atención de sus ojos se va desviando desde muñecos hiperrealistas hacia portadas de algún cómic de superhéroes americanos. Fascinado por alguna razón que no comprende, decide entrar. A partir de ese momento empieza a invertir en historias que van envejeciendo con él; historias que Xosé Barreiro “Pío” se ha ido encargando de suministrarle con cierta y acertada dedicación. Y lo lleva haciendo desde 1967, cuando abrió las puertas de Kómic, la primera librería especializada en cómic de Galicia. “A día de hoy incluso hay que especializarse un poco dentro del mundo del cómic, dadas las limitaciones del espacio” dice con fina ironía.

- ¿Qué clase de clientes suelen entrar en tu librería?
Nuestra clientela abarca desde niños de dos años (atraídos por los juguetes y el merchandising de sus personajes favoritos) hasta padres de familia con muchas arrugas. Pero en general la media de edad de nuestros clientes es más mayor que la de las demás librerías; en las otras el grueso de los lectores oscila en torno a los 15 y 30 años de edad, mientras que aquí la clientela supera los treinta, por lo que vendemos menos manga y superhéroes (al contrario que la mayoría de las tiendas) y sí más cómic europeo, un poco más orientado al público adulto. En las ferias y salones del libro y del cómic también cogemos más ese campo, es nuestra especialidad.
- ¿Qué personajes suele demandar el público?
Tenemos todo tipo de personajes, desde los que aparecen en cómics de aventuras o ciencia ficción y evasión hasta los que aparecen en novelas gráficas de realismo social, como Persépolis o Maus. La diferencia está en que el público tradicional del cómic, aquel que no ha dejado de comprarlos desde las épocas de Cimoc, el Víbora o El Cairo orienta más su lectura hacia el cómic de evasión. En cambio, el público que se acerca más al cómic por primera vez en la edad adulta lo hace más en función de otras lecturas. Muchos se enganchan por temáticas más que por el placer textual del cómic en sí. Pasa habitualmente con profesores y bibliotecarios cuando ven la oferta tan grande que hay y la aplicación pedagógica que tienen historias como 300, Murena o La Odisea. Acaban enganchados a ellos.
- ¿Entonces qué buscan los lectores: un buen guión o un buen dibujo?
En este último tipo de lector que te comentaba prima más un buen guión y que se trate de un cómic con aspiraciones más intelectuales. Otros, en cambio, se fijan sobre todo en el dibujo, que no sea muy simple; a estos les cuesta más coger entre las manos un Maus o un Modotti. Son formas distintas de entender el mundo del cómic. Yo lo veo muy claro: son tendencias de décadas. Es mucho más fácil convencer al nuevo lector, al que siempre aconsejas, para que cambie el chip. Que no todo es blanco o negro. El viejo lector lo que tiene es que es un gran lector, que hay que diferenciar de los clientes que son buenos coleccionistas. A la larga vas viendo todo, adquieres habilidades para ver con facilidad cómo se comporta cada cliente y con lo que disfruta.
- ¿Por lo tanto hay nuevos lectores?
Sí, y antes de nada he de decirte que estamos muy orgullosos con el hecho de que tenemos un montón de nuevos lectores en torno a los 10-12 años como nunca hemos tenido, y nos sentimos muy orgullosos de haber contribuido a eso. Los lectores de esta edad serán lectores para toda la vida, se les ve en su predisposición a la hora de coger los libros, de disfrutarlos… están deseando que sus madres les dejen algo de dinero para hacerse con más historias… Es algo que te da mucha felicidad porque entre otras cosas los padres te demuestran mucho agradecimiento por haber contribuido a orientar a sus hijos en estas lecturas. Y son muchos los casos de los que estoy hablando, por lo que esto deriva en un mensaje de optimismo: hoy en día hay más niños lectores que en generaciones anteriores. Esto tiene mucho que ver con lo que ocurre en casa, porque los padres de hoy somos más lectores y se lo trasmitimos a nuestros hijos. Quizás por eso tengamos más niños que nunca interesados por la lectura.
- ¿Quién crees que anima más a la lectura en el hogar: padres o madres?
El público femenino contagia mejor el gusto por la lectura. Todas las estadísticas dicen que las mujeres consumen muchos más libros que los hombres. Y en este caso también. Aquí suelen venir mujeres con sus niños a intentar que sean más lectores. Este verano en el Salón del Cómic de Coruña más del 50% de las ventas se realizó a mujeres, y te lo dice un librero especializado en público adulto, no sólo en chicas que compran manga. Aquí desde luego las lectoras son menos prejuiciosas que nosotros; les enseño cualquier obra y le echan el ojo sin prejuicios. El ejemplo es el manga: a las mujeres (de 30-40 años) les enseño por ejemplo Historias de color tierra y no pestañean a lo que les estoy explicando sobre la obra. Sin embargo eso se lo dices a un hombre de 40 y ya hay un prejuicio al manga (que a veces se rompe con las historias de Taniguchi). Te dicen: “Uy, es que yo manga…”
- ¿Crees que puede haber otra razón para este incremento del gusto por la lectura?
Sí. El fomento de la lectura por parte de las Administraciones (tanto la de Madrid como la del gobierno anterior aquí en Galicia) también ha sido un gran apoyo al mundo de la lectura. Invertir en Cultura es una manera de reinvertir en la sociedad. En el caso de la lectura no veo diferencias entre leer tebeos y leer libros, ninguna. Por eso me ha parecido un acierto las partidas de dinero destinadas a las bibliotecas para añadir material a sus estanterías. Pero en el caso concreto del cómic, tradicionalmente leer tebeos ha sido un modelo de ocio a través del cual los niños llegaban a conocer la lengua (hoy en día tan denostada a tenor de las faltas de ortografía que invaden los emails, sms…) y es una buena manera de que le gente se reenganche a la lectura. Es una buena opción. Eso lo han visto los políticos, que de un tiempo a este parte han incrementado las partidas para cómics en las bibliotecas públicas y son de agradecer (aunque aún estemos a años luz de lo que se hace en el resto de Europa).
- ¿Una de las razones que te hacen disfrutar de tu trabajo?
Aprovecho mucho las conversaciones con el cliente para recrearme en mi trabajo, y creo que a la mayoría de la gente le gusta precisamente eso, encontrarse a una persona comunicativa detrás del mostrador. Me dice siempre mi hija: “es que tú tienes mucha suerte que conoces mucha gente allí”. Lo disfruto así ya desde que empecé, desde aquel kiosco orientado a la venta de los cómics. Con el tiempo ha cambiado mucho mi manera de trabajar y de disfrutar con lo que hago; me he ido profesionalizando. Y eso que ser librero es una profesión en la que tienes que hacer muchas cosas, más en una pequeña como ésta: limpiar, atender a la gente, controlar las ventas, los stocks y pedidos, mantener un orden y saber el espacio que cada cosa debe tener… Los formatos han cambiado tanto que tenemos que adaptar el mobiliario a las obras de tamaños grandes o más gruesas.
- En el caso de Galicia, este boom de nuevos lectores contrasta con el boom de nuevos autores que de un tiempo a esta parte no han dejado de aparecer. ¿Alguna preferencia en la gran nómina de creadores gallegos?
Es difícil saber quién es el que más gusta. Se me vienen un montón de buenos autores gallegos a la cabeza, pero claro, está todo tan diversificado… que es difícil. Están los que han pegado el bombazo, nombres consagrados de otra generación como Miguelanxo Prado. Pero ninguno de los que han salido con este boom tiene su futuro asegurado, porque permanecer en la cresta de la ola es muy complicado y para evolucionar hay que tener mucha personalidad o saber superar las etapas de bajón creativo. Al final lo de gustar no depende tanto de la calidad como de que alguien apueste por ti y te permita llegar al público. Para gustar has tenido que tener una difusión. Es preciso tener algo sólido editado, como David Rubín, que ya ha editado en el extranjero y con bastante éxito, por ejemplo. Algunos buenos dibujantes que se me vienen ahora a la cabeza son Kiko da Silva, Robledo, Guitián, Santi Gutierrez o Manel Cráneo, a quien por ejemplo veo muy bien orientado. Su Lobos de Moeche me pareció muy buena obra y más si piensas que la hizo en dos meses y con ciertas limitaciones gráficas debido a la rapidez con la que la tuvo que hacer. En fin, son muchos autores en nómina, ¿pero cuántos han podido demostrar sus capacidades narrativas y gráficas en una obra de autor? Pocos.
- Finalmente, ¿qué tres recomendaciones de cómics nos puedes hacer?
Como mejor cómic que acabo de leer, el Spirou de Émile Bravo. Como mejor del último año me quedo con Tres Sombras de Cyril Pedrosa. Y ya como mejor cómic a nivel universal, El Palomar de Beto Hernández.

Reseña ABC: Veña Carrabouxo (28-XI-2009)

2009-11-28T17:51:00.003+01:00

Dicen que sufrimos en Galicia la mayor tasa de suicidios y depresiones de toda la península. Y no sólo por las gracias y desgracias políticas, sociales y marineras, sino más bien por estar inmersos en esta época de lluvias y fríos recios. Sin embargo estos días aplicamos con abundancia y retranca aquello de “a mal tiempo buena cara” porque la risa es el único paraguas que nos queda bajo el que refugiarnos hasta que escampe. Quizás por eso la cultura gallega se ha resguardado en una tradición humorística que viene de lejos, con aquellas cantigas de escarnio y que se sigue rastreando en la literatura del país con las creaciones de Valle Inclán, Cunqueiro, Risco... y dentro del humor gráfico con Maside, Seoane, Castelao, Quesada, Siro, Xan Marín, Forges o Xose Lois González “O Carrabouxo”.
Ahora que más que nunca se discute sobre localismos en Galicia con respecto a bancos, universidades, xacobeos y aeropuertos, la diputación provincial ourensana decide ir a contracorriente y exportar lejos de sus lindes provincianos las viñetas de humor gráfico más agudas publicadas en el diario La Región desde hace 27 años: “O Carrabouxo” de Xosé Lois es pura retranca, sorna gallega concentrada en un joven personaje ourensano, Carrabouxo (espigado figurín de curiosa indumentaria: boina, gafas de sol y perpetuo pitillo en boca), quien analiza la realidad del día a día con ingeniosos juegos de palabras en un gallego poco académico que el autor manipula hasta el paroxismo para buscar ese efecto lingüístico que mueva a la risa, por encima de los recursos expresivos simbólicos del trazo limpio y simple del dibujo. Pues como bien se encarga de resaltar en el prólogo a este Veña Carrabouxo Xosé L. Rúa “nas súas viñetas hai máis forza comunicativa no campo lingüístico ca no visual, malia tratarse, en principio, de humorismo gráfico”.
Recoge esta cuidada edición una selección por parte del autor de las mejores viñetas de este principio de siglo; 425 viñetas que encierran y condensan como materia literaturizable la cosmovisión del Carrabouxo acerca de los temas más salientables entre los años 2001 y 2007: las vacas locas, las Torres Gemelas, el botellón, el Prestige, los incendios gallegos, las llegadas de pateras, el cambio climático, la ley del tabaco... todos ellos analizados con el toque de humor gallego más popular (-Cinco anos por prevaricación, falsidade e malversación. -Ordiá, nin que roubara.) que se entremezcla con juegos de palabras (-Mira o Meteo-Galiza –Méteo no cú), originando una suerte y gracia de sentencias, paradojas (o parajodas que diría el protagonista), aforismos y epigramas que sorprenden por su inesperado sentido final.

Reseña ABC: Viaxes do Corazón (29-VIII-2009)

2009-11-20T00:58:00.003+01:00

Hace ya unos meses que circula por nuestras librerías VIAXES DO CORAZÓN, un diario íntimo (año 2007) convertido en un magnífico relato de viajes interiores. Un seguimiento regular de los caminos de ida y vuelta de la vida (presente y pasado) atados con el dulce nudo de los lazos afectivos que unen al autor con sus orígenes (padres, entorno, niñez).

Esta exposición de la desnuda alma del autor en la vitrina de la retina literaria se saborea a través de la melancólica autobiografía, de la sobresaliente caligrafía (esta obra merecería una edición facsímil) y del extenso bagaje literario del que el autor hace gala, demostrado por la referencialidad literaria de algunos pasajes por los que desfilan Pardo Bazán, Rosalía, Cunqueiro, Tolstoi...

Decía Neruda en una de sus odas que “el tiempo se divide en dos ríos: uno corre hacia atrás, devora lo que vives, el otro va contigo adelante descubriendo tu vida”. Algo así ocurre en este libro, aunque las orillas de Xosé Manuel G. Trigo son “a beira da ría onde nacín e a beira do río onde vin morrer”. Las páginas son un retazo de tiempo, anterior y actual (“hai na memoria algúns días de sincronía paradisíaca”), con todos sus gozos (la genial historia de Pastorita) y sus sombras (la desgarradora exclusión del flujo de la vida de sus padres). El viaje al recuerdo transcurre, así pues, con ritmos inspirados por el latir del mar del Morrazo, pero también por las orillas del Sar “por onde Rosalía, se cadra, deu seus primeiros pasos”.

La minuciosidad textual a las que nos tiene acostumbrados el autor, el eco inaudito de los sonidos de sus sílabas, se concentra en esta ocasión en entradas diarias de breve continente y opulento contenido; la belleza de las palabras utilizadas se superponen en ocasiones a la trama literaria en forma de juegos fónicos (“farta de fazulas, fartureira de formas, fina de finuras”), y el “aroma impreciso da melancolía dos recordos” a veces es tapado por un humor grouchomarxiano (el tratamiento del autor a la muerte de su perro Tirone no puede ser más hilarante: “El ía tratar coas divindades; eu cos curas do colexio”).

Death Proof

2009-11-17T02:27:00.003+01:00

El bosque es un lugar demasiado oscuro y profundo,tengo mucho que cumplir y mucho que viajar antes de poder dormir. ¿Me has oído, mariposa? Mucho que viajar antes de poder dormir...

¿Quieres saber de qué son estas cicatrices?

2009-11-13T00:23:00.004+01:00

- Para que lo sepas, no estoy buscando novio, así que no pongas cara de cordero degollado y abre la puerta.

- No la ponía... es que nunca había conocido a una chica como tú.

- Sí la ponías, pero no importa. Eres mono. Me lo haría contigo, pero veo que eres de los que se quedan colados por las chicas. Te rompería el corazón y te destrozaría.

- ¿Y si me gustan las mujeres así?

- Entonces eres tonto.

Fantasmagoría: Sombría disertación una cálida mañana de invierno

2009-11-08T16:03:00.005+01:00

Hay un silencio espacial en la habitación, y sin embargo un estruendo de sombras vírgenes revolotean en mi pensamiento:

Las escaleras del edificio subían desde el infierno de las obras hasta el cielo del rellano de los amantes. Están allí, no me oyen. Pareja rubia, medio desnuda, rodeados de fantasmas que habitan los pisos de persianas arrancadas, enmascarados un 5 de Noviembre.
Los peldaños formaban una pasarela sobre el abismo de la soledad, y caminaban como actores polacos de un circo encantado sobre el ardor del paraíso. Sobre la región del sueño. Corta velada de gemidos, sudor y risas. La demencia del amor prohibido se oculta detrás de la máscara de personajes de papel: ella, Claudia Christiani; él, V...

La sustancia de los anhelos.

Diario ABC -Artes y Letras- Libros

2009-11-01T13:27:00.005+01:00

Palabras xordas para oídos necios, David Durán Arufe.

-Un poemario hebén con manual de instrucciones para ser recitado-

Resulta este Palabras xordas para oídos necios todo un canto amebeo que nos devuelve a la guturalidad del habla, a esa emanación oscura o clara de la palabra, pero anterior a la palabra como diría Umbral. La música. Decía Leo Ferré que la gente apenas lee poesía, siendo la música la única ayuda que le queda a la poesía para llegar a su meta. David Durán parece seguir la estela de este pensamiento con su poemario orientado al recital público, a la liberación de los versos de la propia tipografía trascendiendo la lectura privada al concierto coral de las dos voces sugeridas por el autor. Un planteamiento que exalta la prosodia, el juego rítmico (“Este libro é unha exploración do ritmo interno das palabras”) y el valor de ese arte que se esconde detrás de la provocación del estremecimiento a través de la caricia de la voz. Este tratamiento de la poesía integrada a otros lenguajes expresivos (el musical y el audiovisual) no es nada nuevo para aquellos familiarizados con la poesía gallega contemporánea, la cual desde la aparición de poetas como Yolanda Castaño o Agustín Fernández Mallo (salvando las distancias) ha trascendido a lo meramente literario para llevarnos a través de las nuevas tecnologías hacia algo más parecido a la perfomance, un destino pseudoteatral que parece compartir David Durán con este poemario. No es sencillo renovar o innovar de manera original en el sistema poético actual gallego, y da la impresión que nuestros autores, en un periodo de crisis que parece afectar también a los versos, han optado por (re)inventar un siglo de oro de la creación poética audiovisual sólo en su plano formal. El problema de centrarse en el continente es cuando se pierde la perspectiva del contenido.

Prescindida la métrica y la rima, en estos cinco estudios para dos recitadores que priman el tempo, ritmo, compás y melodía, David Durán realiza un ejercicio de estilo ejemplar y ejemplarizante en el campo de la musicalidad con sus versos, demostrando el rigor académico de un autor que es brillante músico y compositor además de actual director del Conservatorio Profesional de Música de Santiago. Los cinco estudios vienen precedidos por una suerte de manual de instrucciones, donde se advierte que los poemas han sido “escritos para seren lidos, idealmente, por dous recitadores, aínda que tamén é posible facer unha lectura individual para cada quen de xeito habitual”. Toda una declaración de intenciones de un director de orquesta en su ópera prima que deja bien atado con este prólogo el devenir del recital, ya que indica para el tipo de lectura ideal desde el tiempo de duración (15 minutos) hasta la pronuntiatio que han de seguir los recitadores (ayudados por un glosario de términos que facilita la lectura final).

Hay delicadeza formal en este poemario. Una consonancia estilística acorde a las leves sugerencias rítmicas y musicales conseguida a través de recursos tales como la repetición o los juegos fónicos (“SS sss teño unha...sss sss carai que...”). Cinco estudios poéticos, dispuestos en clave musical como si de una partitura se tratara, en los que el yo poético (desdoblado idílicamente en un coro bimembre) habla de la incomunicación (tema principal que da pie al título con la gracia mareante del juego de palabras) y de la soledad en primera instancia, pero también recurre a otros temas como la contemplación y la reflexión, centrándose en la observación de la naturaleza o en momentos de autoconocimiento. El sentido sonoro del texto no se deja de lado en ningún momento, merced a recursos de efectos sensoriales que van más allá de lo fonético y fonológico, llegando al poder de evocación de las palabras y de los campos léxicos conjugados (ecos, goteos, toses, silencios, estruendos, orejas, discurso, gritos, palabras) o utilizando procedimientos de las vanguardias surrealistas como la sucesión de imágenes y la ruptura lógica del discurso poético (“Cada burbulla porta un son eco das miñas palabras e silencios, que para vós se baleiran no baleiro, finalmente baleiros da burbulla e de sentido”), a veces usando la figura surrealista por excelencia: la sinestesia (“tose de vidro oxidada”, “estrondoso silencio”). Pero el clímax de esta supresión del significado se encuentra en el tercer estudio (cima en la dispositio textual), momento en el que el poeta deconstruye todo formalismo textual para dar paso a unas secuencias silábicas repetitivas carentes de cualquier significado (“tá go son tá go son tá ta ta ta ta ta”).

Sin embargo este libro tiene sus carencias. Y no son, como ya se ha expuesto aquí, de carácter formal. La calidad de la edición de este poemario por parte de tresCtres es indudable (desde el DVD que se incluye y recoge la interpretación por parte del autor y Ton Risco de los cinco estudios hasta el diseño interior del volumen y las ilustraciones que acompañan al texto, obra de Cristina Durán Arufe), y el mimo musical del autor está lejos de toda duda. Pero todo este preámbulo a lo nuclear de la obra (los versos) aumenta unas esperanzas que, sin embargo, al ver el resultado literario no complace todas las expectativas del principio. Es el déficit de lectura lo que cojea en Palabras xordas para oídos necios. La disgregación de versos, que acaba por hacerse monótona, termina en una retahíla de imágenes fútiles que peregrinan sin más trascendencia que la de la simple evocación verbal, alejada de todo contenido, más bien albergada en una débil estructura sujetada por la musicalidad preponderada por el autor. La preocupación hebén del poeta en esta breve obra gira alrededor de la percepción de la realidad manejada por un mundo de ruidos y silencios. Frente a esto, lo que se sugiere es la posibilidad de contrarrestar la mudez impuesta por la sociedad, el superar la pérdida de la palabra del estudio III.

Pachu M. Torres

Diario ABC -Artes y Letras- Libros

2009-11-01T13:25:00.002+01:00

HEXED. LA MARCA DE LUCIFER

“Avivando un sabor agradable a cómic, Emma Ríos nos transporta a un mundo de acción y magia negra con el mejor de sus trazos”

Michael Alan Nelson & Emma Ríos. 104 págs. Rústica. 15,7 x 24 cm. Edición en gallego y castellano. PVP:16 €

Leer algo de Emma Ríos (Vilagarcía de Arousa, 1976) siempre resulta estimulante. La evolución de esta autora no deja de sorprender, desde aquellas primeras historias publicadas en fanzines, su A prueba de balas (autoeditado a través del colectivo Polaqia), las breves historietas aparecidas en las revista Dos Veces Breve o en la antología Los Reyes Elfos (Historia de Faerie II) hasta su más reciente creación: el Amadís de Gaula (editorial SM) o su trabajo en la Marvel Cómics con el personaje del Doctor Extraño en Strange. Pero sin duda el punto de inflexión en la carrera de esta licenciada en arquitectura y autodidacta en lo que al cómic se refiere se produce con su incorporación al equipo creativo de Hexed en el año 2008, un proyecto de Boom! studios que le surgió a raíz de los elogios del guionista Warren Ellis, quien la descubrió gracias a su trabajo en la web.

Llevamos algunos años en los que estamos viviendo una edad dorada del cómic gallego y es indudable que la cantera del país produce ahora mismo tebeos de una calidad comparable a la de cualquier sistema historietístico de peso (véase el francés o el norteamericano), como es el caso de esta creación de Emma Ríos. Su trazo, destacado por esa equilibrada y dinámica composición (además de su acertada combinación de colores) aúpa su gran capacidad narrativa, entrelazada al ya mencionado dinamismo en la acción y a la representación de gestos y sentimientos (deudora de la tradición manga, de la cual reconoce tener como referente a la hora de trabajar). Junto con David Rubín, constituyen estos dos autores la punta del iceberg de una capacidad creativa galaica lejos de toda duda.

Pero yo iba a hablar de la miniserie Hexed, que descubrí un día de distendida conversación en la librería Komic de Santiago, casi en el agitado preámbulo en que las puertas de Viñetas dende o Atlántico iban a ser abiertas a los visitantes. Y en ese rebumbio cuadró la aparición de esta obra traducida al lector español. Imposible no detenerse ante los elegantes y atrayentes trazos de esa portada de tonos rojizos, la cual recuerda en un primer instante al mejor Paul Pope, y que sirve de premonición a la calidad del producto que se esconde tras esa primera fachada. Abre pues el lector la portada de este cómic y tiene la impresión de que hay algo más que un simple aglutinado de viñetas: los autores juegan con la bisutería verbal del uso de títulos para cada uno de los cuatro episodios que componen esta miniserie, dándole un aire más dantesco al libro y sugiriendo desde ese primer instante la necesidad de tener un curso de demonología para saber de qué se nos va a hablar (“Onde Lucifer consegue unha mascota e se da un baño”), aunque este laxo recurso literario sirva de prólogo a una historia que narra de manera distendida la historia de una chica joven (Lucifer) que se dedica al robo profesional, hurtando preciados objetos mágicos y trabajando al margen de una sociedad en la que ella y los de su clase son tratados como escoria. Las aventuras de Lucifer combinan elementos fantásticos con grandes dosis de acción frenética en un andamiaje textual de temática sobrenatural, en la que veremos cómo se mezclan en el plano de la realidad personajes imposibles como el demonio voyeur Rufus o la Hetera (personaje lovecraftiano revisionado por la autora con una estética similar a los yurei japoneses).

En Emma Ríos el dibujo es una respiración o la misma piel de la historia. Gracias a la calidad de la creadora gallega el cómic gana enteros, ya que el guión de Michael Alan Nelson resulta particularmente básico. La historia en ocasiones suena a déjà-vu (no innova ni se escapa de tópicos); todo suena a visto y leído, pero siempre se agradece el reencuentro con ese apasionante trazo de la dibujante. Es el talento expresivo, el estilo de esa figura protagonista, los matices de los sentimientos y las sutilezas de los estados de ánimo reflejados en las miradas o los gestos lo que dan un trasfondo a la narración literaria. Viendo el impresionante trabajo visual y la complejidad gráfica que ha desarrollado Emma en Hexed, se deduce quién ha dedicado mucho esfuerzo, ilusión y cariño a este proyecto.

Por otro lado, ya se va calmando el revuelo que armó la edición del cómic en España por parte de Patito Editorial (que viene de ganar gracias a su trabajo en el mundo editorial el Premio Cidade de Ourense con motivo de la celebración de las Jornadas de Banda Deseñada), una edición que es de agradecer por su mimo a la hora de presentar en dos ediciones la obra de Emma Ríos (una en castellano con portada de Paul Pope y otra limitada en gallego, con las cuatro portadas de Emma Ríos), pero que como decía, obtuvo fuertes críticas debido a su alto coste (16€) sobre todo al compararse con la edición americana del mismo cómic.

En todo caso, a pesar de sus luces y sombras, es una obra altamente recomendable para cualquier amante del cómic de temática sobrenatural y de acción frenética, y cómo no, es una gran manera de acercarse a uno de los mejores trabajos de esta autora gallega a la que le espera un futuro lleno de éxitos a tenor de lo observado en estas páginas y en el reciente Amadís de Gaula. Su estilo euroshojo se está abriendo a distintos terrenos narrativos (superhéroes, fantasía, libros de caballerías...) sin perder un ápice de talento, con sus ya reconocibles trazos suaves, delicados y curvilíneos aderezados con un color plano y sencillo en el que predominan los tonos pastel y los colores cálidos. Su narración híbrida entre los recursos estructurales del cómic europeo y el ritmo o encuadres sacados del mejor manga consigue sacar las castañas del fuego de lo que hasta ahora ha sido la mayor lacra de esta artista: los guionistas con los que colabora.

Para seguir las novedades de Emma Ríos, así como para observar de primera mano los pasos creativos de algunas de las planchas de Hexed, podéis dirigiros a su blog:

Pachu M. Torres

http://www.abc.es/20091029/nacional-galicia/hexed-marca-lucifer-200910291411.html

Probando un nuevo pincel a medianoche

2009-07-05T02:24:00.004+02:00

Se acabó. Ya es mañana.

Había tres hombres vestidos de arlequines. Y una mujer que se alimentaba de las metáforas. Les gustó el olor de su pantalón y se pusieron a olisquearlo. Levemente oscuras las caras, sonrieron y se acercaron. La periódica serie de hechos que tuvieron lugar en ese callejón culminaron en hipocresía. Vista de cerca, la escena abundaba en inútiles lamentaciones y en repeticiones monocromáticas. Sólo se articulaban las primeras letras del abecedario.

Y entonces cayó del cielo.

6 WAYS OF JUSTICE (coming soon)

2009-06-26T18:29:00.004+02:00

Mientras voy acabando las páginas de este cómic, escrito por mi buen amigo Adolfo, estoy preparando las clases de Lengua Española y Literatura Medieval que impartiré estos meses de verano a un grupo de norteamericanos dentro del programa de Cursos Internacionales de la USC. Entre medias, un grupo de profesoras de Filología me ha vuelto a contratar para que el curso que viene ilustre unos cuentos para niños. Así que con todo este ajetreo de novedades y trabajos pendientes (el diseño de una camiseta para promocionar el nuevo cd de Pito de Pikasso o la animación de un cuento para una psicóloga compostelana) creo que pasaré por la farmacia para autorrecetarme tranquilizantes, que combinan muy bien con la dosis diaria de cafeína...

Panegírico al Abrigadoiro

2009-06-15T00:39:00.005+02:00

Los que vivan en Santiago de Compostela (o hayan visitado la ciudad alguna vez) probablemente conozcan esta taberna situada enfrente a la Alameda compostelana.
La adega está como en tiempos de mi abuelo; no cambió cosa alguna. La noria, las mesas, a lareira, los barriles, la gente. Siquiera ese olor y ese aire tan característico cambió con el tiempo, conservando en él el mundo de historias que allí llegaron. Cientos de biografías, en una biblioteca invisible, que dan noticia de otras tantas existencias (Suso de Toro, Camilo José Cela, David Rubín...). Algo hay en el aire de aquella tasca que llama por uno. Tal vez una forma de vida vieja, la sugestión de un aquél existencial de siglo pasado,que no dio salto al siguiente.

De pequeño, cuando iba con mi abuelo a las tabernas ourensanas que salían de la Plaza del Hierro, solía llegar un momento en que me aburría y me quedaba dormido entre conversaciones sarcásticas y llenas de amistad. Pero había veces en que se daba una circunstancia aún más feliz que los sueños que vivía: me despertaban las canciones que llegaban de las tabernas. Era frecuente de aquellas escuchar en las noches claras el canto de los amigos en las tabernas o las casas particulares. Mi abuelo era muy devoto de estos cánticos y siempre abría su grave garganta cuando se le presentaba un grupo de amigos pidiendo vino para su son. Despertar de noche en aquellas sillas (colocadas hábilmente para poder tumbarme) por las voces de aquella gente siempre me pareció una forma de felicidad como pocas se pueden experimentar, y me tengo preguntado, cuando evoco esos momentos, dónde radicará la razón de aquel placer, el por qué de aquella sensación de que al mundo no le faltaba nada. No sé qué mecanismos subconscientes podría activar en el niño la presencia de unos hombres cantando en el bar, como para que la vida cogiese el sabor de la gloria.

Después de la desaparición (o extinción) de los hombres que cantaban, se hizo un gran silencio en el mundo. Hasta que un día, paseando por la calle, me encontré con las canciones que llegaban del Abrigadoiro; notas cantarinas de un coro que entraban por las ventanas de los vecinos y revoloteaban por toda la calle llegando hasta la arboleda. Yo me quedé en la dulzura de la acera, entre la puerta de la taberna y la boutique de ropa. Pasaban parejas riéndose. Pasaban veteranos empresarios hablando de sus números sin percatarse de la banda sonora callejera. Pero aquel atardecer de verano sólo existía para el niño, que echaba una mirada a sus fantasmas.

O Abrigadoiro, en síntesis, conserva su microclima, con su atmósfera de aliento y humo finisecular, con aquel reservado suyo donde priman los manteles de hule que, de tan domésticos de olor y color, poseen el subconsciental efecto de mitigar la morriña que los universitarios novatos tienen de sus casas. Los veraneantes, sin embargo, devoran sobre todo los chicharrones, tablas de embutidos y tortillas de patatas, mientras que con gracia forastera, el albariño les inspira unas risas y gracias mareantes.

Es por estas razones, y por mil más, aunque sobre todo la amistad que me une a sus dueños, que cuando me pidieron un dibujo que adornara sus paredes no pude negarme a tal petición. ¿Cómo ellos sabrían que aquel abuelo que me crió en esos ambientes de comunicación humana me había dejado como legado una acuarela en memoria de ese lugar vivificante? Así pues, cuando hoy les entregue la petición que me hicieron hace algún tiempo, les daré también una parte de mis recuerdos.

POSDATA:

Él decía siempre que lo primero que le da aroma y sabor al vino es la conversación del amigo. Por lo menos esto es lo que pensaba cuando estaba en este mundo.
- Y en el otro también- me pareció que susurraba una sombra.

David Lynch: La alquimia del surrealismo

2009-06-08T22:27:00.010+02:00

Si alguien me pregunta a quién considero una de las personas más influyentes en mi modo de trabajar, sin duda ese es el que da título a esta entrada: David Lynch.
Su obra, pese a lo que digan sus detractores, no es tan abstracta, tan rara ni tan inexplicable, y no es esta triple adjetivación excusa para evitar descifrar todos los misterios que envuelven sus creaciones. Mantenía esta noche una interesante conversación con Pepo Pérez sobre las virtudes de las obras de este autor, y coincidimos en que es el suyo un cine capaz de emocionar a pesar de que nuestro consciente nos impida creer que intuimos la historia. Resume nuestros pensamientos la siguiente cita extraída del libro de Lynch Atrapa el pez dorado (página 30):

"A veces la gente se queja de que les cuesta entender una película, pero yo creo que entienden mucho más de lo que creen. Porque todos hemos sido bendecidos con la intuición: todos tenemos el don de intuir cosas. Habrá quien diga que no entiende la música; pero la mayoría de las personas experimentan la música de manera emocional y estarían de acuerdi en que la música es una abstracción. No necesitas expresar la música en palabras: la escuchas. El cine se parece mucho a la música. Puede ser muy abstracto, pero la gente ansía darle un sentido intelectual, traducirlo a palabras. Y cuando no pueden hacerlo, se sienten frustrados. Pero si lo dejan expresarse, pueden encontrar una explicación interior. Si comentan la película con los amigos enseguida ven cosas: qué es esto, qué no es lo otro. Y tal vez coincidan o discrepen con ellos, pero ¿cómo pueden discrepar o coincidir si no saben nada? Lo interesante, pues, es que ya saben más de lo que creen. Y al expresar en voz alta lo que saben, lo ven más claro. Y cuando ven algo, pueden intentar aclararlo un poco más, y de nuevo, contrastarlo con un amigo. Y tal vez lleguen a alguna conclusión. que sería válida."

Os dejo unas ilustraciones que hice inspirado en algunos de sus films:

Twin Peaks (la serie televisiva que revolucionó el género)
Carretera Perdida (Dick Laurent está muerto...)
Mulholland Drive (la escena del Club Silencio me sigue poniendo los pelos de punta)
INLAND EMPIRE (la escena de los conejos es de una serie de cortos que realizó previamente al film, y que luego engarzó con cierta gracia mareante. La ilustración tiene unas dimensiones de 594 × 420, por lo que le tuve que sacar una foto y su resolución no es muy buena...)

Captatio Benevolentiae

2009-06-07T22:26:00.004+02:00

Avivando un agradable sabor a café inicio este blog, pensando a ratos "¿cómo es posible?". Se hicieron muchas especulaciones, pero finalmente aquí está, abierto a todos los públicos.

Desde hoy el goteo de mi cerebro salpicará todo el blog, flotando como grandes subtítulos una colección de historias que se alimentan de metáforas, dibujos monocromáticos, fotografías marchitas y retocadas, páginas de tebeos con la intención de ser publicadas, diálogos absurdos y disertaciones...